всё о любом фильме:

dvdvitya > Рецензии

 

Рецензии в цифрах
всего рецензий26
суммарный рейтинг254 / 220
первая6 марта 2010
последняя30 января 2017
в среднем в месяц1
Подтверждение удаления
Вы можете удалить не более пяти своих рецензий. После удаления этой рецензии у вас останется возможность удалить не более . После удаления этой рецензии у вас останется возможность удалить только еще одну. После удаления этой рецензии вам больше не будет доступна функция удаления рецензий. Вы уже удалили пять своих рецензий. Функция удаления рецензий более недоступна.

Все рецензии (26)

Картина Рождение нации Нэйта Паркера по названию отсылает зрителя к другому «Рождению нации» 1915 года, снятому выдающимся режиссером-новатором Дэвидом Гриффитом. Тому фильму уже более 100 лет, и он, в каком-то смысле, заложил один из камней в основание жанра эпических кинополотен, которых в то время практически не существовало. Тем не менее фильм Гриффита отличался очень заметным расистским посылом, там по сценарию восстание против невинных белых поднимали дикие чернокожие, которых никто особо и не трогал, а главными супергероями оказывались молодые люди в недвусмысленных белых колпаках. Режиссер Нэйт Паркер, очевидно испытывающий неприязнь к классической киноленте и к тому, что именно она до сих представляет кинематографическую Америку того времени нынешнему поколению кинолюбителей, снял «ответку» Гриффиту, где постарался показать, что настоящее рождение американская нация пережила во время восстания Нэта Тернера и других черных рабов, а не во времена возрождения Ку-клукс-клана.

Работа эта, вероятно, также должна была войти в какие-нибудь анналы киноискусства, однако с Гриффитом ее роднит только явная тенденциозность с противоположным знаком. Хороших белых в картине Паркера практически нет. Плантатор Самюэль Тернер — единственный белый товарищ Нэта, мечтающий возродить славное имя своей семьи, сначала просто пресмыкается перед другими землевладельцами, а потом и вовсе показывает свое истинное жестокое белое лицо, за что и несет заслуженную (?!) кару. Его мать, обучавшая Нэта чтению, оказывается способна только в бессилии лить слезы добра. Остальные белые обитатели этого мира вовсе изверги и садисты, которые конечно же не составляли подавляющего большинства населения южных штатов (смотрите Унесённых ветром) в реальности. Однако режиссер Паркер, как бы в отместку Гриффиту за его ряженных карнавальных негров, изобразил их всех злыми и глупыми реднеками, от которых униженные чернокожие ежеминутно терпят страдания. Рабство развращает рабовладельца, формирует агрессивно-безответственный тип характера, ведет к крови, мукам и бунтам, но что стоит за поведение белых плантаторов? Какие они на самом деле в повседневности, в одиночестве, что они думают, во что верят, как оправдываются за свои преступления?

Какой-то характер можно разглядеть только у упомянутого Самюэля Тернера, остальные белые просто негодяи, которыми не движет ничего, кроме руки сценариста, пытающегося поучаствовать в конъюнктурной борьбе за права черных, развернувшейся в наши дни после излишне агрессивного поведения некоторых белых полицейских по отношению к черным. Все это вылилось в многочисленные митинги, некоторые из которых переросли в массовые грабежи и погромы, а также породило современные мемы, типа Black Lives matter.

На просьбы поработать над сценарием и персонажами более основательно и справедливо режиссер как бы намекает, что его предки итак достаточно работали на хлопковых полях, поэтому белые (до сих пор пораженные расизмом) никакого снисхождения, понимания и глубины не заслуживают. Фильм изобилует крупными планами лиц, по которым стекают слезы, а на постере в качестве виселицы изображен американский флаг! Очень актуальное и смелое высказывание для 1915 года, но не для времени президентства Б. Обамы. Внимательный зритель также подметит, что по Паркеру в Гражданской войне на стороне северян воевали лишь чернокожие.

Собственно с Нэтом Тернером также происходят невероятные преображения, словно по воле Божией, он из скоромного и добропорядочного протестанта (любая власть от Бога!), непонятно как, превращается в головореза, рубящего не особо виновных перед ним мужчин, женщин и детей топором. Реальный Тернер (а это реально существовавший персонаж) рассказывал на следствии о неких голосах, которые подвигли его на бунт, взял на себя ответственность лишь за одно убийство и был найден прячущимся в яме. Киношный Тернер очевидно мало походит на своего исторического прототипа — далеко не сумасшедший, смелый, героически и грозно восседающий на коне с кинжалом, подобно некоему античному полководцу. Может, это Спартак? Как бы то ни было, герой Нэйта Паркера — это дитя свободы и эпоса, а рабство родит совершенно других персонажей — жестоких и трусливых.

Восстание Тернера опередило свое время и было крайне плохо организовано, поэтому вряд ли могло закончиться успехом. Рабство в США было отменено в 1865 году благодаря президенту Линкольну, однако это было такое большое зло, что его отвратительные плоды американцам приходится вкушать до сих пор.

7 из 10

30 января 2017 | 00:37

Создав свой предыдущий фильм — A Birth of a Nation, который вполне можно назвать расистским, Д. У. Гриффит, ожидаемо, столкнулся с непониманием своего творчества со стороны различных слоев населения — прежде всего чернокожих американцев. Обидевшись, он понял, что в современном в мире не хватает прежде всего толерантности по отношению к друг и другу и снял другое кино — Intolerance: Love`s Struggle Throughout the Ages, направленное, на этот раз, уже против женщин.

Картина Нетерпимость состоит из четырех новелл, связанных единой мыслью о том, как неблаговидные поступки отдельных личностей приводили к ужасным историческим катастрофам.

Современная история повествует о неких немолодых женщинах, решивших совершить моральный переворот в обществе. Они борются с борделями, алкогольными напитками (сухой закон еще впереди!) и неблагополучными семьями. Гриффит отвечает им: «Когда женщина перестает привлекать мужчин — она часто обращается к Реформам (политико-социальным), как к выходу» — крайне грубое и сексистское замечание. Режиссер не хочет видеть в женщинах активных членов общества, действующих наравне с мужчинами, он скорее отводит им роль хранительниц очага, которым долженствует услаждать взоры. Очевидно, что новелла создана в пику движению за эмансипацию. Суфражистки Соединенных Штатов очень активно требовали избирательных прав для женщин как раз в то время и, надо сказать, добились его уже в 1920 году.

Еще одна новелла — это хорошо всем известная библейская легенда о распятом Христе.

В качестве европейской истории нетерпимости выбрана Варфоломеевская резня, устроенная французскими католиками в 1572 году против гугенотов (протестантов). Принято считать, что инициатором этого зверского события, унесшего жизни десятков тысяч человек был не слабый король Франции Карл IX, а его знаменитая мать Катерина Медичи. Для Гриффита, в данном случае, важны не столько политические подоплеки произошедшего, сколько тот факт, что во главе кровавого заговора стояла женщина. Это еще одно доказательство того, что власть в руках женщины часто приводит к самым печальным последствиям.

Четвертая Вавилонская новелла также выявляет еще одну установку Гриффита — женщина должна слушаться мужчину. Главная героиня — горянка, намеренно до крайности вздорная и своенравная, чтобы своим бессмысленным стремлением к независимости вызвать антипатию у зрителя. Именно столкновение мужского и женского начал, по Гриффиту, привело к гибели Вавилона: отказ своевольной горянки поэту Рапсоду, появление в городе богини Иштар, враждебной Баалу, одурманенное состояние царя Валтасара, вызванное любовным женским влиянием.

Гриффит может считаться отличным манипулятором и пропагандистом еще и потому, что в своих изысканиях он абсолютно по-детским наивен и крайне романтичен — он превозносит любовь, терпимость, доброту сердца, осуждает лицемерие, ложь и агрессию, но при этом сам страдает теми пороками, с которыми борется через свои картины. Его фильмы в полной мере являются выражением собственных комплексов и самообманов. Они до крайности авторские и при этом невероятно масштабные, сейчас бы ни одному крупному голливудскому режиссеру не пришла в голову идея так саморазоблачиться, как разоблачался перед внимательным зрителем G.W. Griffith. Взывая народы к толерантности и требуя заменить бомбы на цветы, он демонстрирует неприязнь к афроамериканцам и женщинам. Он героизирует Ку-Клукс-Клан! В противовес взбалмошным женщинам, которые сражаются в прямом и переносном смыслах, режиссер ставит добродетельных женщин, которые остаются в своих домах, посвящая время молитвам и воспитанию детей. По сценарию Гриффита, во все века женщины регулярно становились источником неприятностей.

Но несмотря на такое сомнительное, во многих смыслах, содержание, данный фильм никак нельзя назвать обычной клюквой, потому что в то время только единицы могли снимать настолько широкоплановое и масштабное кино. Пожалуй, можно даже сказать, что после новаторской итальянской картины Джованни Пастроне Кабирия, которая, к слову, активно цитируется в Нетерпимости, Гриффит стал единственным законодателем мод в новоиспеченном жанре немого блокбастера. Он в виде эксперимента использует «летающую камеру», а в сценах битв, солдаты на глазах у изумленного зрителя рубят друг-другу головы, кадры поражают своей детальностью — воссозданные для фильма осадные машины персов и колоссальный дворец вавилонских царей обрушивают на зрителя до селе не виданную волну изумления. Целый букет новых техник и приемов, помогавших эффекту погружения. И не забывайте, что все это еще и с сексистским подтекстом, довольно популярным в том время. Настоящий социальный аттракцион!

Надо сказать, что самые масштабные сцены фильма Intolerance даже сейчас стоили бы крайне дорого, поэтому снять все это, в то время было возможно лишь в процветающих Соединенных Штатах (которым режиссер также не забыл отвесить солидный реверанс в фильме), Европа тратила все деньги на войну. Предположительно, на декорации, платья героев и массовку было потрачено более $2 миллионов — это $45 миллионов по нынешнему курсу, невообразимые траты для фильма начала XX века. Увы, но для современников фильм оказался слишком сложным, слишком динамичным и слишком клиповым. Картина провалилась в прокате, обанкротив Triangle Film Corporation и оставив несмываемую метку кассового неудачника на режиссере.

До появления Нетерпимости почти никто не представлял, что кино вообще может быть ТАКИМ. Мыльные движущиеся картинки вдруг обрели невиданную силу, и в этом была заслуга, прежде всего, Дэвида Уорка Гриффита. Он, как сейчас говорят, стоял у истоков современного кино.

10 из 10

8 августа 2015 | 15:14

Две разновидности актеров — нью-йоркские и лос-анджелесские. Первые — играют на Бродвее, они исполняют вдумчивые, глубокие и характерные роли. Вторые — снимаются в кино, они процветают за счет крупнобюджетных блокбастеров, где для произнесения пафосных речей не требуется большого артистического таланта. Если вам нужны деньги и слава — езжайте в Голливуд, если же вы мечтаете об искусстве перевоплощения и авторских постановках, то ваша дорога лежит в нью-йоркский театр.

Актер Ригган Томпсон порядком поизносился за свою богатую карьеру. Когда-то он снискал немалую известность, исполняя роль супергероя в птичьем обличье — Бёрдмэна. Франшиза о Бёрдмэне собрала миллиарды долларов, но все эти деньги вместе со всеми преимуществами славы, каким-то образом, проскользнули мимо исполнителя главной роли фильма. Стремясь вновь подняться к высотам потерянного когда-то рая, персонаж Майкла Китона затевает поставить пьесу на Бродвее, которая, вместе с тем, должна стать отражением его чувств, переживаний, страхов и комплексов.

Почему бывшему Бёрдмэну обязательно надо было делать постановку о своей неудавшейся жизни? Дело в том, что, наверное, все представленные в фильме актеры крайне несчастные люди. Они имеют известность, работу мечты, но при этом постоянно жалуются, что их никто не любит, либо они никого не любят, включая себя. Они называют себя ничтожествами, бездарностями, отгоревшими свечами. И это далеко не просто капризы избалованных знаменитостей — это комплекс неполноценности. Они хотят отхватить как можно больше от пирога под названием слава. Преуспев в крупнобюджетных голливудских экшенах, они мечтают, чтобы их признали, как глубоких драматических артистов, а теперь еще и как собирателей наибольшего количества лайков и ретвитов. Этому просто нет конца, ведь насыщения так и не наступает. Громкий всплеск зрительских симпатий и аплодисментов удерживает их от очередного витка депрессии и самобичевания лишь на очень короткое время. Слава — их Бог, который неустанно требует жертвоприношений.

Очевидно, что Бёрдмэн прежде всего нацелен на представителей актерских профессий. Это такой жанр, когда актеры снимают фильм об актерах, не скрываясь. И получается это у них крайне умело и правдоподобно, ведь свою собственную кухню они то должны знать наверняка. Главный момент здесь в том — удастся ли вам прочувствовать трагичность актерских судеб. Потому что этот фильм произведет наибольшее впечатление именно на тех, кто сам переживает нечто подобное тому, что испытывают главные его персонажи. Если вы актер-неудачник или грезите о былом экранном величие или вообще не знаете, что такое популярность, но всегда о ней мечтали, то данная работа Алехандро Гонсалеса Иньярриту, определенно, затронет струны вашей измученной души. Те же, кто всегда полностью довольствовался имеющимся, смогут понять замысел головой, но вот эмоционально — останутся нетронутыми.

И тут вдруг оказывается, что все это комедия. Духовный предшественник Бёрдмэна — великий и великолепный кинофильм 1950 года «Всё о Еве» был чистейшей драмой. Роли там были прописаны значительно глубже и острее, возможно, это потому, что у авторов не было ни денег, ни технических возможностей на создание фантастических спецэффектов, которые в полной мере продемонстрировали бы, как воспаряет эго Бетт Дэвис, например. Вместо этого, там была гениальная заключительная сцена с зеркалами. И все это безо всякого высмеивания — настоящие трагедии человеческих жизней. В Бёрдмэне обстоятельства тоже складываются довольно трагично. Ригган Томсон, его бывшая жена, дочь Сэм, главный актер его новой постановки Майк Шинер, сыгранный Эдвардом Нортоном — все они, говоря грубо, неудачники, не знающие счастья. Оказывается, что и в таких обстоятельствах есть место улыбке, и смешной фразе, и грубому слову, и идиотской ситуации. Оказывается, что смеяться можно над чем угодно. Особенно это позволительно артистам — они ведь привыкли придуриваться на публике. Такой уж жанр.

Надо сказать, что Голливудский юмор, в этом случае, совсем не выглядит пошлым и оторванным от действительности. В отличие от России, где лучшие фильмы года — сплошная талантливая чернуха, а комедии — невозможно смотреть из-за их надуманности и натянутости до самого потолка за уши. Представьте, если бы Звягинцев решил сделать из Левиафана черную комедию — никто бы ведь не понял.

Последняя сцена из Бёрдмэна оставляет, как кажется, немало пространства для трактовок. В действительности все не так — трактовка может быть только одна и довольно трагичная. В итоге, не понятно — комедию ли снял Иньярриту или драму, и была ли вообще настоящей драме нужна пустота комедии.

P.s. Барабанная дробь — превосходна, а заодно и отсылает к другому замечательному оскаровскому номинанту — фильму Whiplash. Операторская работа и вовсе чудесна — камера плавает, выстраивая кадровые перспективы и взаимодействуя с поведением актеров. Юмор в некоторых моментах очень оригинальный и смелый.

Бёрдмэн — камерная театральная драма, поэтому многое тут зависит, буквально, от голосовых интонаций, и есть сильное подозрение, что местные англоговорящие актеры играют на порядок качественнее, нежели их российские коллеги, работающие на озвучке и, заодно, снимающиеся в русских сериалах.

27 января 2015 | 22:37

Не шутка

Само название картины — Inside Llewyn Davis, предполагает наличие какого-то инсайта. То есть нам вроде как собираются показать душу человека, что у него внутри, чем он живет и т. д. И человек то не простой, ни какой-то работящий парень с завода, а музыкант, композитор. Мы увидим душу настоящего художника. Нас, вероятно, будут поджидать творческие муки и метания и, в конце концов, сам результат творчества — искусство, божья искра и т. п. Вместо того нам подсовывают какой-то суррогат. Выходит, что мы должны поверить, будто внутренний мир художника не отличается от мира барного завсегдатая? То, что скрыто в голове Льюина Дэвиса — это депрессия, апатия, скука, жалость к себе, уныние и разочарование. Все это покрывает его душу таким густым туманом, что кажется, будто там вообще ничего нет. Он пуст. Сам по себе спокоен и вежлив, но может взорваться. Единственный проблеск — его музыка. Его голос хорош, а песни вполне замечательные, хоть и отдают тоской. Вроде бы он талантлив, но даже тут Коэны смеются над бедным Льюином. После пронзительной гитары, завораживающего голоса и чеховской паузы, вместо ожидаемо отвисающей челюсти у одного из музыкальных боссов, следует высказывание, что на таком Г денег не сделаешь. Отец главного героя после пронзительных запилов сына, опять же, вместо того, чтобы расплакаться и начать вспоминать юность — делает в штаны от перенапряжения. Право, даже, как то обидно. Разве такого заслужил Льюин? К тому же, повторю, он не бездарность и ни какие-то там поющие трусы или штаны. Напротив, весь его вид настолько скромен и бомжеват, что единственное, чем он мог бы привлекать — это своей музыкой. Так, кто же он Льюин Дэвис — непризнанный талант или бездарность?

Образ его жизни конечно бездарен, но музыка — совсем нет. Он мог бы обрести славу, но реальный шоу-бизнес не пропускает на верх даже 1%, от 99% желающих. Случайности и закономерности создают преграды, которые очень тяжело преодолеть даже талантливым людям, хотя иногда этот город грехов открывает свои ворота и мечтательным простакам. Льюин Дэвис же просто застрял — в силу тяжелой жизненной трагедии или врожденной склонности к меланхолии, он никак не может выйти из своей пустой комнаты, у него нет жилья, нет женщины, нет жизни. Вырваться из замкнутого цикла Льюин не способен, день сурка повторяется. Он, как хомяк бегает в своем колесе и неизвестно, где ему взять силы для нового начала, есть ли у него такие запасы, откуда все это можно было бы подчерпнуть. Возможно, жизнь даст ему, какого-нибудь хорошего напутствующего пинка, которого он заслужил. И, который, если еще не поздно, заставит его все осознать.

Если талант проявляется, то он есть, но, иногда человек таков, что непонятно, откуда он берется и каков его масштаб. Что же все-таки Внутри Льюина Дэвиса?

9 из 10

17 августа 2014 | 23:00

Автор, невиданной мною, золотомалиноносной киноленты Муви 43, — режиссер Джеймс Ганн замахнулся на революцию в жанре супер геройского кино. Надо отдать должное — задача эта не из разряда «не бей лежачего». Если припомнить разнообразные фильмы про Бэтмена, Супермена, Человека паука, то окажется, что все они созданы по единым лекалам и имеют в качестве цели номер один аудиторию школьников или подростков. Неспособные довольствоваться своей жизнью, они мечтают о приключениях на стороне — обрести супер способности и спасти очаровательную девственницу, стать пилотом быстрого, дерзкого, как пуля резко космического корабля, вступить в ряды героических борцов за справедливость — умных, сильных, юморных и просто верных друзей, ну и наконец добиться всеобщего признания, защитив весь мир от какой-то невероятной угрозы. Идя на поводу таких органических желаний, главное не просчитаться.

Любой голливудский продюсер заточен на зарабатывание денег. Контролируя процесс производства кино, он прежде думает о том, как бы расширить его потенциальную аудиторию, минимально потеряв в качестве. В этом случае, рейтинг 12+ (PG-13) близок к идеалу. С одной стороны, он успешно сохраняет и взрослую аудиторию, с другой — привлекает в кинотеатры самых заинтересованных зрителей — подростков, которые не идут в таком ценообразующем количестве на фильмы с рейтингом R. К тому же качество конечной продукции также невероятно важно, потому что, если фильм не нацелен только на детей, он обязан содержать некоторую долю реализма — сцены убийств, страданий, любви (все в версии light), иначе его могут ждать низкие рейтинги критиков и простых зрителей, которые негативным образом влияют на желание посмотреть the film. Наивность, пошлый пафос, целенаправленное упрощение жизни до уровня котиков с серьезными лицами — все это также побочный эффект рейтинга PG-13. Хотя, конечно, даже с таким рейтингом можно сделать полу-серьезную драму про смерть, например — с довольно гнетущей атмосферой, но без особого натурализма. Правда речь здесь ни о таких артхаусных экспериментах, а о фильмах про супер героев с бюджетом в сотни миллионов долларов. Парочка неудачных проектов такого масштаба вполне способна поставить под вопрос, если не дальнейшее существование киностудии, то ее планы на будущее, связанные с продвижением крупнобюджетного кино. Поэтому то баланс крайне важен.

Guardians of the Galaxy страдают многими, из названных, заболеваний. Модель, по которой выстраивается данная лента, вошла в анналы за много десятилетий до ее непосредственного появления. Например, герой для подражания. Сначала он был слаб, ребенком потерял родителей, одноклассники его не принимали, друзей не было и т. п. Но вместе с тем «Стражи Галактики» стараются отклониться от привычного. Выстроенные, по большому счету, по старым канонам, герои фильма всячески их высмеивают. Если внимательно присмотреться, то окажется, что это скорее не супергеройский фильм, а супергеройский стеб. Объяснение такой необходимости очевидно — старые супергерои безбожно устарели, как бы их не пытались притянуть за счет суперкомпьютерного лифтинга. Их поведение, слова, дела, даже внешний вид — уже не доставляют зрителю удовольствия от причастности к действию. По сути, старые супергерои уже стали дедушками, как их не крути. А к дедушке, хоть и относишься с почтением, но моделью для подражания он быть вряд ли может. Мир и Голливуд находятся в поиске совершенно новых запоминающихся персонажей. «Стражи» таких персонажей специально не дают, кажется они наоборот говорят через свои шутки — расслабьтесь, супер герои умерли, их время прошло, кому вообще сейчас интересно смотреть за спасением Земли в миллионный раз?

Guardians of the Galaxy вышли, наконец, на галактический уровень — это ново, поэтому способно привлечь внимание. Кроме того, оставшись в рамках супергеройских традиций, они заметно их погнули. Но не сломали. Это не Эдгар Райт, но и не Мстители. Что-то новое, но аккуратное. Пробный камень из миллионов долларов, который должен проскакать по реке, либо пойти ко дну. Но действительно ли так оригинален и смел неуверенный в себе человек, который хихикает над собственными страхами? В фильме, где идет схватка и смертельная битва между силами добра и зла, последнее, к слову, невероятно карикатурно, невнятно и имеет внешность и оружие Шао Кана (!), не пролилось не единой капли крови! Прямо как во время компьютерной игры. Люди конечно гибнут массово, но всем пофиг. Вот оно зло, сказали бы некоторые — карикатуризация и романтизация войны, дети насмотрятся и пойдут убивать, просто, чтобы поржать. Тысячи НЕВИННЫХ погибнут. Слово «невинные», кстати, главный больной зуб подобных фильмов.

Львиная доля шика таких лент всегда лежит в области спецэффектов, а в сегодняшнем Голливуде искусство часто лежит в области технологий. Если сравнить Стражей Галактики с киноэпопеей про супермена из 70-х, то последняя покажется крайне занудной и не красивой, но это, все-таки, один вид спорта. А вот, какой-нибудь фильм, типа»… А зори здесь тихие» сравнивать с блокбастерами 2014-го года просто невозможно. Это как самолет и карета. Странно, что и то, и другое называется одним словом — кино. Это, как американские горки, и постоять у станка, где делают танки. Но тут вопрос скорее социокультурный, почему, оказавшись на подобном киносеансе, возникает ощущение, будто фильм снят на другой планете, жители которой на 100 лет оторвались от нас в плане всего, что только возможно. Выйдя на улицу, понимаешь, что побывал в каком-то запретном мире, куда, по идее, тебе путь заказан, краем глаза заглянул в будущее. Красота — уже искусство. Ведь, если показать «Стражей Галактики» африканским туземцам, никогда не покидавшим своих земель и жилищ, они не поверят, что такое может существовать без божественного вспомоществования. Оказывается, что вовсе не во всех уголках земли на дворе один и тот же год. Кто-то до сих пор живет охотой и собирательством, другие поднялись до уровня земледелия, а третьи нежно вынашивают имперские амбиции XIX века. Тут никак не обойтись без громкого слова, Стражи — это сама глобализация. Людей здесь почти не показывают, на заглавных ролях пришельцы!

Еще одной находкой можно назвать музыкальные хиты прошлого. Оказалось, что взрывная музыка 70-х великолепно сочетается с футуристической атмосферой космических кораблей, чужих планет и пришельцев — все это доведено здесь до около шедеврального уровня. Это очень красивое и даже несколько распущенное кино, которому серьезно не достает реализьму и глубины. Будто Вы заказали в ресторане пирожное, которое оказалось настолько красивым, что даже не мишленовские вкусовые качества отошли на второй план. И не надо недооценивать сценарий — он довольно крепкий, чтобы удерживать зрителя у экрана в течение двух часов.

Это сложносочиненный труд, граничащий с искусством и пропитанный духом утопичной сверхглобализации. Он не зациклен сам на себе и уже это здорово!

9 из 10

2 августа 2014 | 23:11

Хаяо Миядзаки сделал фильм в тематике, которая ему не очень свойственна. Прежде всего, тут нет волшебства и магии. Есть конечно загадочные нереальные сны, но после всех колдунов, ведьм, ходячих замков и лесных духов, которыми угощал нас мастер японского аниме, данная картина смотрится очень рационально и по-взрослому. И, возможно, главное здесь то, что автор не расщедрился даже на настоящий хэппи-энд, каковыми он нас радовал почти во всех своих фильмах. Всегда находивший общий язык, скорее, с детьми, чем со взрослыми, Миядзаки вдруг изменил себе и поднялся над обыденной для него магией. Не знаю почему, но фильм-прощание получился не только не похожим на другие его работы, но даже в какой-то мере нарушил их гармонию. Вместо детской непосредственности и непостоянства — суровая проза жизни, вместо нежного гимна природе — авиационный марш. Может быть, если бы люди без устали жили по 200 лет, мы бы открыли для себя совершенного нового японского режиссера, снимающего жизненные драмы, такие, как Токийская повесть. А старый волшебник или устал от своего волшебства или разочаровался в его способности находить ответы на все вопросы.

Я не даром упомянул фильм Ясудзиро Одзу, после просмотра мне в голову быстро пришла мысль, что Ветер крепчает и Токийская повесть стоят рядом. Они похожи в повествовательной манере — в этой жизненной постепенности и очень размеренном ритме, всего творящегося на экране. Хотя работа Одзу, без сомнения, более тяжеловесная и более глубокая. Вот такая она жизнь! Иной зритель и заскучает. Поэтому, если у вас, как сейчас говорят, клиповое сознание и пары минут без активного экшена хватает, чтобы начать клевать носом пол, то остерегайтесь. Это кино не для вас.

А вот местные диалоги — это, в каком-то роде, небольшое откровение, в нашу эпоху безвкусного смакования однообразных пафосных и пустых речей, когда Супермен повторяет Бэтмена, а Бэтмен — служащего среднего звена, здешние разговоры освежают и бодрят — они настолько живы, динамичны и рублены, что кажется, будто основаны на настоящих диктофонных записях реальных людей. Русский дубляж просто прекрасен, редко такое бывает.

Миядзаки, когда-то специализировался на политике и экономике, поэтому разбор состояния Японии того времени, с точки зрения этих элементов, присутствует. Но для картины он не определяющий, а служит только ненавязчивым фоном для реальных человеческих страстей — работы, любви и самой жизни.

Эта картина — есть жизнь, которая проносится перед глазами. Правда жизнь анимационная, а значит, в какой-то мере, все равно сказочная и непонятная.

8 из 10

2 марта 2014 | 00:48

Сразу говорю, что тут много спойлеров. И это скорее не рецензия, а попытка разобраться в увиденном. Правда те, кто не видел, я думаю, ничего тут не поймут.

Фильм разделен на две части — в первой, две девушки случайно встречаются, а затем таинственно исчезают. Во второй — они уже давно знакомы, но их отношения оказываются на грани распада и, в конечном итоге, обе они погибают. Существует трактовка, что первая часть — это только сон героини Наоми Уоттс Дайаны Сэлвин, который является неким подобием ее бессознательных желаний — с одной стороны она мечтает отомстить своей возлюбленной Камилле за измену, которая во «сне» должна была стать жертвой заказного убийства, но с другой — любит ее и поэтому Камилла только теряет память, т. е. забывает режиссера Кэшера и возвращается к Бэтти (она же реальная Дайан Сэлвин). При этом Диана во сне же наказывает саму себя за желания смерти другому человеку, видя себя же мертвой. С точки зрения психоаналитической трактовки сновидений — тут все очень просто. Женщина зла на свою любовницу и желает ей смерти — во сне желание сбывается, но не полностью, а только в переносном смысле — старая Камилла превращается в новую Риту с совершенно стертой памятью. Т. е. она как бы умирает, а на ее место приходит такая же, но другая женщина. Можно начинать отношения с чистого листа — сначала, как лучшие подруги, потом уже любовницы. При этом героиня Уоттс все же терпит наказания за свои бессознательные мысли и видит СЕБЯ мертвой — все в том же сне. Т. к. с точки зрения психоанализа сны являются вытесненными желаниями, а иногда и не вытесненными, то нет совершенно ничего удивительно, что во второй части — «реальности», все повторяется, как во сне. Просто то желание (убить Камиллу), которое Дайана не осознавала до сна, она осознает после и притворит мечты в реальность. Правда в реальности все вышло трагично. Тот куб, который играет такую важную и непонятную роль в фильме можно назвать ящиком Пандоры, в котором может оказаться все, что угодно и никогда не знаешь, что там будет. Так вторая часть объясняет первую. Не смотря на логичность такой трактовки, в общем, она кажется слишком упрощенной, хоть и совсем не плохой. Всегда легко назвать, все, что не понятно — сном, т. е. бредом сивой кобылы. Т. к. многие с трудом могли бы объяснить, как этот сон вообще связан с реальностью, а потому — просто набор безумных несуразностей, абсурдных ситуаций и объяснять тут почти нечего. Попробуем выискать тут, что-нибудь еще.

Перенесемся в плоскость реальности. Пусть всё, что происходит в фильме — не сон и не фантазия, а реально происходящие события. Пусть Дайана заказывает Камиллу убийцам и Камилла действительно будет убита… скажем, в 95% случаев, а в 5%, пусть разные события помешают ей погибнуть, например, в 1% случаев пьяные чудаки врежутся в лимузин, а Камилла потеряет память. При этом, мы не знаем, что случится и в теории может случиться — всё, что угодно. Но что именно мы не знаем, хотя понимаем, что скорее всего Камилла погибнет. Для того же, чтобы узнать, что случилось нам нужно заглянуть в некую коробочку и там мы увидим — жизнь или смерть. Но пока мы не смотрели туда. А теперь отсылаю всех к статье про парадокс Шрёдингера. Те, кто знают про кота Шрёдингера, знают, что для микроскопических объектов, типа атомных ядер характерно двойственное положение — они одновременно существуют и одновременно не существуют, т. е. находятся в суперпозиции. Если объект из макромира, например, кота, сделать зависимым от поведения микроскопических объектов, то он тоже попадает в суперпозицию. Но, разве не все на свете находится в зависимости от микромира, разве люди не состоят из атомов, кварков, электронов и т. д? Это значит, что полного детерминизма нет и существует только вероятностная предопределенность. Мы не можем предсказать будущее, но можем сказать ЧТО и С КАКОЙ ВЕРОЯТНОСТЬЮ МОЖЕТ произойти.

Вернемся к фильму. Я предполагаю, что героини Наоми Уоттс и Лауры Хэрринг, находятся в состоянии квантовой запутанности, т. е. суперпозиции или, иными словами, они обе одновременно живы и мертвы. Вспомните сцену, где они, буквально, раздваиваются. Когда Рита или Камилла открывает куб — она видит там тьму, но это не обман зрительских ожиданий, а ничто, т. е. смерть, ведь сразу после этого Рита исчезает и кубик падает, значит она была убита в лимузине, ей не удалось спастись. Но, если переиграть историю заново, возможно, для этого не нужно даже предпринимать никаких усилий, а она повторится сама, то обе героини вновь могут оказаться живы. Другими словами, кто-то открыл кубик и увидел там одно, другой — увидел другое, а третий вообще его еще не открывал. И все это существует одновременно!!

В начале Малхолланд Драйв мы видим беспорядочно танцующих людей — обратите внимание на эту сцену, не смотря на то, что поступки людей кажутся логичными и понятными, кому-то вся мировая история кажется предопределенной и заранее запрограммированной, т. е. кажется, что «по другому и быть не могло», в основе всего, вероятно, лежит хаос. Мы до сих пор не знаем по каким законам мы существуем. Люди танцуют, но почему они танцуют именно так, а не иначе… Все случилось, так как случилось, но могло случиться и по-другому, а, возможно, и случилось, просто мы этого не заметили. Всем движет случайность. Мы живем, так, как живем, потому что, кто-то бросает кубики. Случайные мелкие обстоятельства способны не только абсолютно переменить жизнь человека, но и всю историю людей — жизни миллиардов. Возможно, в одной из параллельных вселенных (если так это называть), людей на Земле давно уже нет — они умерли в войнах, а может никогда не было. При этом природе и вселенной жизнь, кажется, абсолютно безразлична. Она, как мать, которая всеми силами вынашивает свое дитя, тратить миллиарды лет на его развитие, а потом не обращает никакого внимания, когда оно погибает.

В принципе, обе трактовки могут быть правильными — они не противоречат друг другу. Я помню, как, однажды, физик на ТВ вспомнил этот фильм и сказал, что люди и их поступки движутся там хаотично, будто в мире микрочастиц.

10 из 10

  • Полезная рецензия?
  • Да / Нет
  • 1 / 0
8 декабря 2013 | 14:33

Космос абсолютно чужд человеку, там нет ничего, что могло бы поддержать его жизнь — нет воздуха, нет воды, нет еды, нет необходимого тепла, нет людей. Даже отшельник, гордо заявляющий, что ему для жизни нужно только небо над головой и земля под ногами не найдет там убежища. Там нет горизонта и чернеет бесконечная даль, наивно поблескивающая звездами и, обещающая неопытному путнику, где-то вдалеке, уют и комфорт. Расстояние от Солнца до ближайшей звезды 4,22 световых года. Скорость света 300,000 км/с. Расстояние до центра нашей галактики почти 30,000 световых лет. Количество галактики в нашей вселенной — триллионы. Каждую секунду рождается огромное количество вселенных. Возможно, количество их растет в геометрической прогрессии уже много миллиардов лет, если так, то общее их количество настолько велико, что мы можем принять его за близкое к бесконечности. Безликое чудище. Бездонная бездна. Человеческий разум не совсем готов вместить все это, скорее он будет настойчиво убеждать, что это какая-то иллюзия, изощренная уловка Бога, который, конечно, следит за своими детьми и не бросит их в неведение. Каково это чувствовать, что ты удаляешься от Земли со скоростью пули во мрак? Каково это стать фотоном? Каково это умереть? Неразгаданные тайны.

Земля. На ней все по другому. Человеку тут известен почти каждый уголок. Знакомы — птицы, животные, растения, звуки, запахи, вкусы, знакома земля. Для людей вся местная природа уже стала родной. Существуя тут, словно в материнской утробе, в покое, гармонии и неведении, человек привык пользоваться теми ресурсами, которые дает ему Земля, чтобы выживать. Но, по какой-то случайности или предопределению, человек был наделен любопытством, стремлением к развитию. Сущностью, которая является одним из ответов на вопрос о смысле жизни. Возможно, являясь, одной из сильнейших бессознательных движущих сил, она предопределяет жизнь всех людей и не дает им выбора. Может ли она, в конечном итоге, привести нас к преодолению границ собственной природы? Имеет ли природа это в виду, когда создает любое существо и зачем ей это надо? В чем ее замысел? Вероятно, что какая-то цивилизация уже дала ответы на все эти вопросы. Тогда, где они и кто они?

Фильм Гравитация, будто снят через несколько десятилетий после описываемых там событий. Когда люди будут способны на межзвездные перелеты, то астронавтов, которых сыграли, наверное, измучившиеся за время съемок Сандра Буллок и Джордж Клуни, будут называть первооткрывателями. Альфонс Куарон предлагает нам взглянуть на этих испытателей, как бы, глазами далеких потомков. Зритель тут, будто первоклассник, просматривающий «Мои первые шаги» — уверенно вышагивающий и переполняющийся гордостью за свою мнимую самостоятельность.

Чем больше мы шагаем в направлении от Земли, тем меньше вероятность, что мы упадем и больно ударимся. А если мы уже можем снимать такое кино, которое по спецэффектам, монтажу и масштабу, не отличимо от реального космоса, а это было невозможно еще какие-то 5-10 лет назад, то, значит, мы далеко ушли в развитии и застраховались от любых комических катастроф. Но тут кроется обман, то, что возможно на экране не совсем еще возможно в жизни. В будущем мы оказываемся только в зале кинотеатра, благодаря 3D, IMAX и другим фишкам, гаснущий экран возвращает нас в настоящее. Человеку еще только предстоит порвать ту пуповину, за которую так отчаянно хватается Сандра Буллок, чтобы ее не унесло в открытый космос. Он только-только родился из Земли. Оторвался от своей многовековой матери. И идея поместить нас внутрь скафандра, от первого лица, пришедшая из компьютерных игр, способна поставить каждого зрителя на место космического первооткрывателя сражающего с бушующими силами природы, так, как когда-то с ними сражались первооткрыватели земные.

Увидев рекламные ролики Гравитации и, убедившись превосходной зрелищностью, многие поторопились назвать его фильмом-аттракционом. Пришел, увидел, забыл. То, что за восхитительной внешней оболочкой сокрыто немаленькое внутреннее содержание удается понять только после внимательного просмотра. В наше время такое бывает нечасто, кроме того, в картине практически отсутствуют стандартные голливудские штампы, коих было не мало, например, в недавнем Элизиуме. Все это заставляет горячо рекомендовать этот фильм к просмотру и, желательно, только в кинотеатре со всеми эффектами. Это того стоит.

Космонавт, после долгих странствий, возвращающийся на родную Землю, возвращается туда не как побежденный космической громадой, не на щите, а как покоритель и первооткрыватель, оказавшийся в родных пределах только для того, чтобы отдохнуть, набраться сил и вновь отправиться в путь.

На это обречены космические путешественники, на это обречено человечество.

10 из 10

28 октября 2013 | 00:37

JUDGE YE NOT

Постоянное стремление человека к неизведанному, влечение к бесконечным богатствам времени — проливает свет на многие загадочные вещи. Загадочные… потому что они кажутся новыми. Внезапными. Но большинство из них вовсе не новые, большинство из них имеет возраст несколько веков!

Удар молнии — бум!!!

Задрожали старые кости, защелкали челюстями черепа. Колба наполнилась таинственным плотным дымом. Что же это?!

Что, испугались? То-то же. The life has begun!

It`s… Ed Wood! The director! Человек, который навсегда запечатлел момент рождения себя и своего детища — фильма Глен или Гленда, так, как он их себе представлял.

Человек ошибается, потому что поступает правильно и человек поступает правильно, потому что он поступает плохо… дергайте за ниточку! Надеюсь, те, кто не видел этот фильм уже составили себе представление о местной атмосфере.

Главный вопрос — поступал ли Эдвард Вуд мл. правильно, когда взялся снимать кино и не ошибался ли, когда решил сделать автобиографию про собственную страсть к переодеванию в женские розовые кофточки. Да, к тому же, обманул первого и последнего в своей жизни продюсера — Джорджа Уайсса, которому обещал, что снимет фильм про пластические операции! На последний вопрос Вуд дал однозначный ответ, прямо в Гленде — хоть, я и поступаю плохо, я поступаю правильно. Общество не суди. А вот с первым вопросом так никто и не разобрался. Конечно у Эдварда Вуда есть полу-официальный титул худшего режиссера в истории, которым он, будь он жив, гордился бы, так как при жизни сильно страдал от непризнанности. Непризнанности не только кинематографической, но и чисто человеческой, так как мало, кто одобрял его болезненную страсть к переодеванию. В современном же Голливуде, где работает знаменитая(ый) режиссер(ша) Лана Вачовски, он был бы счастлив. Все же, не смотря на титул, мнения о нем до сих пор полярны, от случайного человека в киноиндустрии, занимавшегося не своим делом (я ближе к этому мнению), до непризнанного гения сюрреализма (я далек от такой мысли).

То, что найдет зритель в Глен или Гленда — это детская непосредственность в манере повествования. Как человеку привыкшему носить нижнее женское белье под одеждой, Эду Вуду очень хотелось рассказать о том, как живется людям с такой проблемой, дабы повысить уровень толерантности к трансвеститам, а, заодно, заработать, и прославиться. Но, скажите, пожалуйста, при чем тут скелеты, гром и молния, мрачные лаборатории, при чем тут Белла Лугоши, игравший Дракулу? Конечно, скелеты — это то, что скрыто, молнии — это природа, которая, порой, сверхъестественным образом довлеет на человеком тяжелым бременем. И, вообще, как зарождается жизнь до сих пор не ясно — все окружено тайной. Но, все равно, эти эпизоды походят на неудачный фильм ужасов, не имеющий никакого отношения к основной части картины, а вставленный туда просто так, чтобы напугать. Певец Эд Вуд вздумал добавить в свою, и без того не очень удачную партию, новые ноты, которых там быть не должно, да еще и ужасно сфальшивил их при исполнении. Это ли не дилетантизм в худшем смысле? Да, это он и есть. В каждом деле есть какие-то правила, которые нужно соблюдать, что бы, получилось, что-то цельное, способное выполнять ту роль, которая на него возлагается. Очень талантливые люди способны инстинктивно находить новые правила — новые слова, новые формы, новые элементы, которые затем становятся всеобщим достоянием и поднимают какое-то дело на новый уровень. Когда же новатором хочет стать человек, который не располагает для этого необходимыми качествами, то, обычно, получается соленое варенье или горькое мороженное. Что-то, из ряда вон выходящее не из-за своей оригинальности, но из-за своей нелепости, которая, наверняка, была уже подмечена раньше, мастерами по-способнее. Зачем создавать Франкенштейна, когда мы уже прекрасно знаем, чем эта история закончилась. Никто его не любил, почти все боялись, кто-то расщедрился на жалость, а сам он был одинок и несчастен.

Знаете, я боюсь, что, как это обычно и бывает, сам Эдвард Вуд был внутренне схож со своим творением. У него просто было слишком много внутренних проблем, чтобы чем-то серьезно заниматься, особенно кино, которое, кроме таланта требует еще и сосредоточенность, и работоспособность, и некое самоотречение. Ни одно произведение искусства не требует полного переноса твоей личности в него. Художники не рисует только автопортреты. А наш дорогой Эд, по-другому, видно, и не умел. Он не мог стать талантливым, но и стать просто умелым тружеником от мира кино он не сумел.

Глен и его жена, счастливые, выходят от врача, оказывается, его отклонение легко разрешается с помощью talk cure, достаточно просто найти истоки проблемы в детстве, осознать их, вынув из невротического беспамятства и болезнь исчезнет. А если пациент захочет, то он может остаться трансвеститом, по желанию (экая хитрость!). Психоанализ тут волшебная палочка, излечивающая все тяжелейшие психические недуги по мановению руки могущественного колдуна — психоаналитика. Режиссер воплотил тут свою мечту, но, похоже, не до конца веря в нее, смазал всё гнетущей концовкой.

Реальность же была суровой к Эдварду Вуду, сначала он перешел к съемкам порно фильмов, потом, не выдержав хронической усталости от себя, он начинает много пить и…a life is ended.

Ooou,..snips and snails and puppy dog tails, — доносится откуда-то история его жизни.

4 из 10

16 октября 2013 | 19:04

Светильник… подвизался… и основал обитель… столп…

Собравшемуся причаститься святых таинств киноману, нет лучшего способа этого сделать, чем стать свидетелем долгого и изнурительного стояния на столбе святого Симеона прозванного столпник. Человек этот, как утверждают разные священные и просто богоугодные писания, близ Антиохии, простоял 37 лет на столбах разной высоты. Исцеляя, возвращая, благословляя, молясь и борясь, он заслужил многие восхищения современников, приобрел известность и последователей.

Благодаря магии кино Бунюэлю удалось уместить долгие годы стояния на последнем столпе в 40 минут экранного времени. Поэтому спрашивается — а был ли мальчик? Кто-то, вполне не безосновательно, может обвинить режиссера в глумлении над подвигами Симеона страстотерпца, превратившего многолетнюю борьбу с дьяволом, собственными страстями и собственным телом в короткометражку. С другой стороны, стояние на столбе дело достаточно однообразное, поэтому святой Симеон сам виноват, что провел такую мучительно однообразную жизнь в добровольном заточение под открытым небом. Достаточно увидеть один его день, чтобы составить впечатление обо всём.

Жизнеописания людей, живших святой жизнью, несмотря на всю красоту и энергию их, имеют строгие правила в изложении, благодаря которым они и оказывают такое заразительное воздействие на читателя. Так же, как авторы подобных книг берут на себя обязанность следовать неизбежным канонам, Бунюэль взял на себя обет уложиться в 40 минут, точно описав все то, что, согласно легенде, совершалось с Симеоном столпником.

«6 лет, 6 недель и 6 дней стоишь ты в назидание нам на этом столпе, Симеон, показывая пример покаяния и смирения. Перейди же теперь на другой столп, который возвел для тебя от щедрости своей почтенный Пракседис.»

Переходом с высокого столпа на еще более высокий начинается фильм. С годами и после смерти слава Симеона только росла. Не надо сомневаться, что в те далекие времена ему приписывались самые удивительные чудеса, потом они стали частью его жизнеописания и вошли, наконец, в века. В житии сказано, что последний столп на котором стоял Симеон был высотой в 40 локтей, на глаз, тот столп, что соорудили для фильма схож по высоте с заветным. Но мог ли обычный человек в зной и стужу простоять на столбе больше 30 лет, почти не слезая? Если кто-то рискнет задать такой вопрос, то покажет, что относится к художественно-биографическому произведению, коим является и жизнеописание и фильм, как к точной биографии. Это неверно, потому что не стоит забывать о канонах, которым должно соответствовать подобное сочинение.

»- Что случилось с его руками?
- Их отрубил мне палач.
- И за что?
- Он… украл.
- Это правда. Но я раскаялся. Отец, отпусти мне грехи.»


Каждый святой должен совершать не только чудеса сверхъестественные — возвращение потерянного зрения и восстановление потерянных конечностей, но и повседневные — это непрерывная молитва, нечеловеческая аскеза и истязания собственного тела не совместимые с жизнью.

Бунюэль, намеренно не занимается разоблачением чудес Симеона столпника, напротив, он подчеркнуто и ясно показывает их в самом оголенном виде. Этим достигается обратный эффект — неверие им. К подобным приемам прибегал Пазолини в фильме про Христа. Бунюэль, конечно же реакционер, как и многие деятели вообще, он борется с тем, что когда-то составляло зло его жизни. Годы проведенные в иезуитской школе сделали из него атеиста, никогда не забывавшего о том негативном влиянии, которое может нести церковь и вера. И все же в кино с глубоким смыслом и широким толкованием последнее слово всегда остается за зрителем.

Не стоит забывать, что это еще и комедия, сатира. Карлик-пастух излишне любящий своих коз. Молодой и веселый священник, которого Симеон осуждает за то, чего нет у него — за любовь к жизни. Благодать там нисходит, как и положено, на больного и униженного — безрукого вора, которой сразу после исцеления с удовольствием отвешивает затрещину собственной дочери. Есть и классический одержимый, испражняющий хулу на Бога. Дьявол в женской личине, известная пугалка любого добропорядочного монаха, там не несет никакого зла, кроме сексуального искушения и других радостей жизни. Не больше ли зла несет аскеза и самоистязания, чем такой дьявол? И все-таки до откровенной проповеди своих взглядов Бунюэль не опускается.

Если бы Симеон столпник оказался в нашем времени — он назвал бы его угодным дьяволу. И, как заканчивается один известный роман — чем кончится этот новый период его жизни, покажет будущее. Остается только напомнить, что есть и другое христианство — проповедующее любовь и всепрощение, а не осуждение и самоистязание. И где они пересекаются, где одно переходит в другое и различаются ли они вообще — не совсем ясно.

10 из 10

29 сентября 2013 | 23:55

Смотрите также:

Все рецензии на фильмы >>
Форум на КиноПоиске >>




 

Поиск друзей на КиноПоиске

узнайте, кто из ваших друзей (из ЖЖ, ВКонтакте, Facebook, Twitter, Mail.ru, Gmail) уже зарегистрирован на КиноПоиске...