всё о любом фильме:

undoz > Друзья

 

Друзья в цифрах
всего друзей18
в друзьях у71
рецензии друзей74
записи в блогах-
Друзья (18):

В друзьях у (71):

Лента друзей

Оценки друзей

Подтверждение удаления
Вы можете удалить не более пяти своих рецензий. После удаления этой рецензии у вас останется возможность удалить не более . После удаления этой рецензии у вас останется возможность удалить только еще одну. После удаления этой рецензии вам больше не будет доступна функция удаления рецензий. Вы уже удалили пять своих рецензий. Функция удаления рецензий более недоступна.

История фильмов про Кинг-Конга началась ещё в 30-х годах ХХ века, когда огромная обезьяна из папье-маше на крыше Эмпайр-стейт-билдинг потрясла умы и воображение зрителей. Сам Конг стал едва ли не наиболее узнаваемой персоной западного массового кинематографа.

Экранизация 2017 года стала десятой, юбилейной в его послужном списке. Впечатление она оставляет спорное. Говорят, чтобы составить максимально полное мнение о чем-то, нужно соотнести все «за» и «против» рассматриваемого явления. Попробуем пойти таким путём, препарируя фильм, подобно лягушке в лаборатории.

Конечно, первое, что привлекает внимание, — это сам Конг, последний потомок целого поколения огромных обезьян (не думаю, что это можно отнести к спойлерам). В фильме он, подобно Годзилле, воплощает в себе разрушительную и в то же время мудрую силу Природы, которая защищает любой ценой свой мир от вторжения. К слову, создатели избежали ошибки последней картины о кайдзю и показали нам Конга во всей красе, выделив ему больше экранного времени. Конг огромен, в меру трогателен и… умен? Загадочным для дикой обезьяны образом он определяет «своих» и «чужих», обладая, я бы сказала, зачатками некой морали. Однако фильм, пытаясь предоставить нам информацию о звере, оставляет слишком много белых пятен, как бы говоря «Вот есть загадочный остров, вот есть загадочная экосистема, вот есть огромная обезьяна, просто примите это и смиритесь». Что, как и почему, и откуда там тем более взялись люди — можете придумать сами, от фильма вы не дождетесь даже вразумительного намека.

Фильм пестрит бесконечными отсылками к фильму Френсиса Форда Копполы «Апокалипсис сегодня». Видимо, отдавать дань классике превращается в тенденцию в Голливуде последнего времени. Сцены выглядят ярко и огненно, но оставляют после себя лёгкое ощущение дежавю, чего умело избежал «Ла-Ла Ленд». Впрочем, операторская работа в этом фильме является несомненным достоинством, наравне с музыкальным сопровождением.

Сюжет разворачивается несколько скомкано, пестря нелогичными поступками персонажей и довольно картонными типажами (привет персонажу Сэмюэла Эл Джексона и капитану Ахаву из «Моби Дика»), финал «немного предсказуем». Основная идея понятна, но шита уж слишком белыми нитками.

В целом, фильм не разочаровывает и демонстрирует возможности технического прогресса в съемке, спецэффектах и монтаже. Однако в остальных моментах «Конг» во многом провисает, забывая, что спецэффекты — это слишком хрупкий каркас для фильма.

6 из 10

15 марта 2017 | 12:39

Совсем скоро в украинский прокат выходит фильм Джима Джармуша «Патерсон», представленный в своё время на Каннском кинофестивале. Мне выпал удивительный шанс познакомиться с картиной ближе и мне не терпится поведать редким заинтересованным, о чём же говорит Джармуш и что он ставит в противовес громкому сенсационному кино, срывающему кассы.

Начнем с того, что «Патерсона» можно смело отнести к группе фильмов, называемой в народе «кино на любителя». Если вы предпочитаете лихо закрученный сюжет, полный неожиданных поворотов в духе Шьямалана, погони, тайны, спецэффекты — в общем, всё кричащее и нарочитое, — то лучше проходите мимо, или купите билет на продолжение «Джона Уика». «Патерсон» — это трогательный спокойный фильм, полный мудрого умиротворения, который не станешь смотреть, чтобы убить время. В целом, он довольно традиционен для Джармуша, но в то же время идёт врозь с традицией лент широкого проката.

Патерсон (Адам Драйвер) — водитель автобуса в городе Патерсон, в котором почему-то очень много близнецов. Да и сам герой словно является близнецом своего города-тёзки — довольно обычного провинциального городка, который тем не менее был пристанищем для многих творческих личностей, таких, как Аллен Гинзберг или Вильям Карлос Вильямс. Ведь сам Патерсон-человек кардинально отличается от привычного нам образа водителя автобуса — он пишет стихи, вдохновляясь обыденными вещами и превращая их в искусство, посвящая их своей любимой Лоре (Голшифте Фарахане). Собственно, картина Джармуша — это тот же стих Патерсона, ведь режиссер, подобно своему персонажу, находит прекрасное и вдохновенное в самом обыденном и монотонном, наполняя картину светом и очаровательной простотой.

«Патерсон» — это картина тёплой осени и «бабьего лета», когда солнечный свет мягкий и золотой, а воздух прозрачный и пахнет кострами, он наполняет сердце ощущением лёгкой ностальгии и умиротворенности. Как и наша жизнь, фильм состоит из мелочей, отдельных моментов и ощущений. Конечно, наблюдая за днями Патерсона и Лоры, каждый из которых похож на предыдущий, ты волей неволей вспоминаешь Камю и его круг абсурда. Для Патерсона все лица и городские пейзажи за окном сливаются в одно, сменяя друг друга (и тут должна быть отдельная похвала монтажу). Но он находит отдушину в стихах, написанных у водопада в обеденный перерыв, в любящей его Лоре, в бокале пива вечером. И пусть меланхолия — одно из доминирующих настроений ленты, она лишена тоскливого уныния. Это меланхолия уходящего лета, щемящая и сладкая.

Этому фильму сложно вынести вердикт, ибо он в нём не нуждается. Это песня тихой и мудрой жизни, исполненной созерцания. Если вы умеете находить прекрасное в обыденном, поэтичное в прозаичном, «Патерсон» сняли для вас. А если нет, он вас этому научит.

11 февраля 2017 | 13:57

Имя Капитана Кусто вызывает яркие и образные ассоциации, пропитанные солью и морским запахом, и где-то между слогами в нем слышится скрип снастей, песнь кита и крики чаек. Он стал легендой из плоти и крови, превратив самого себя в персонажа романов Жюль Верна, на чем не устает акцентировать внимание байопик о знаменитом мореплавателе «Одиссея», который выходит в украинский прокат 29 декабря, практически в канун Нового года. И следует сказать, что это хороший подарок.

Снимать биографическую ленту — дело трудное и неблагодарное, ведь режиссер имеет дело не с искусственно созданным персонажем, а с живым (ну или бывшим когда таковым) человеком, и задача стоит перед ним невероятно сложная — рассказать правдивую историю, в которую зритель сможет и захочет поверить. Многие поддаются соблазну идеализировать героя, подчеркивая его положительные и умалчивая, или же нещадно оправдывая негативные качества. Однако Жером Салль пошел иным путем, в ярких красках изобразив Кусто настоящим человеком — и во время просмотра ты испытываешь и сочувствие к персонажу, и раздражение или недоумение от его поступков. Этот, на самом деле, нехитрый прием напоминает нам этакий трюизм, о котором мы иногда забываем — великие люди тоже люди, со всем мелкими горестями и радостью, со своими недостатками. Режиссер не стал петь оду своему герою, напротив, он поступил с ним более уважительно — рассказал о нем правду.

Немалая заслуга в этом и актерского состава, среди которого в первую очередь, конечно, хочется отметить работу Ламберта Вильсона, талантливого актера, известного большинству лишь как «француз из «Матрицы»», который и воплотил образ Капитана Кусто на экране. Хорошую игру продемонстрировали также Одри Тоту, которая явно должна претендовать на Оскар, и Пьер Нинэ, многообещающий молодой актер, успевший засветиться в озоновском «Франце».

Фильм приковывает внимание и аудио-визуальной составляющей, демонстрируя нам захватывающие дух кадры подводной сьемки и натуральной сьемки на берегах Антарктиды (между прочим, впервые за историю кинематографа!), знакомя нас с очаровывающими обитателями водных глубин, погружая в состояние невесомости и ощущения глубины и величия океана. К тому же, все это щедро сдобрено отличным саундтреком Александра Депла, который из фильма в фильм демонстрирует невероятную способность схватывать и передавать атмосферу тонкими и мягкими звуками.

После просмотра «Одиссеи» хочется сказать: «Вот как должно выглядеть настоящее кино!». Картина, в которую съемочная группа Салля вложила все свои силы и всю свою страсть, как и сам Кусто в своё время. И после просмотра ты в очередной раз восхищаешься тем, как прекрасна и полна тайн наша планета и как прекрасен и полон тайн человек.

9 из 10

24 декабря 2016 | 21:13

Имя Франсуа Озона никогда не звучало громко и сенсационно в широких кругах, что не помешало (а возможно, и поспособствовало) талантливому режиссеру постепенно завоевать своё место под кинематографическим солнцем. Его фильмы всегда характеризируются смелостью, Озон балансирует на грани приличия, насыщая своё кино предельной откровенностью, которая никогда не переходит в пошлость. Именно это пребывание на грани является ключевой особенностью едва ли не всей его фильмографии, словно для Озона снимать кино — значит выходить за рамки, будь то рамки приличия, или рамки жанра.

Его новый фильм тоже стал очередным выходом, раскрывая нам нового, доселе не виданного Озона. Снимал-снимал сатирические ленты, эпатажные мелодрамы, был провокатором и скандалистом, и вдруг создал нечто новое, неторопливое и размеренное, тонкое и проникновенное. И имя ему — «Франц».

Фильм концентрируется вокруг переживаний двух главных героев — немки Анны, которая потеряла жениха на войне, и загадочного француза Адриана, которого она однажды встречает на могиле возлюбленного. Почему мы акцентируем внимание на их национальной принадлежности? События фильма происходят спустя короткое время после войны, когда ещё свежи раны и сам факт перемирья ничего не значит для многих граждан стран-противников. Озон не просто чёрным, а скорее даже красным по белому пишет о бессмысленности такого отношения к друг другу, напоминая, что важно прежде всего замечать в человеке человека, а после уже — всё остальное.

Жизнь героев фильма оказалась расколотой на две части: «до» и «после». Линией такого раскола стала смерть Франца — жениха Анны, возвышенного юноши, который любил поэзию и вовсе не хотел воевать. Франц — это та ось, вокруг которой они вращаться, вовлекаясь всё больше в прошлое, замирая в своём маленьком мирке. Приезд Адриана, который представился другом Франца, поначалу даёт возможность запустить этот механизм на всех парах. Но если родители Франца живут лишь непомерной любовью к умершему сыну, то Анна постепенно раскрывает для себя мир «после» Франца. Поначалу Адриан привлекает её как человек, знавший его, и позволяющий таким образом сохранять свою сопричастность. Но с раскрытием сюжета её отношение также меняется — и вот она уже не знает, что чувствует к этому французу. Франц остается их главной и «единственной раной», но раны нуждаются в исцелении.

В довольно несвойственной для него визуальной манере, которая напоминает чем-то «Белую ленту», Озон создал приковывающую внимание драму. Использование цветовых переходов лишь усиливает ощущение эмоций персонажей, но отнюдь не обуславливает его. На примере героев мы видим, как тяжело потерять близких, но ещё тяжелее — продолжать жить после этого, не хороня себя вместе с умершим. Хорошо построенный сюжет, легкий саундтрек, отличная операторская работа — вот нехитрые компоненты, которые заставляют зрителя замирать перед экраном и приковывают его внимание. А ведь, казалось бы, чего во «Франце» особенного — очередные сантименты. Но, в отличии от уже заигравшегося Долана, Озон продемонстрировал нам способность удивлять, будучи примером режиссера, которого никто не посмеет упрекнуть в однообразности. Неожиданно, возможно даже для самого себя, «Франц» стал озоновским манифестом жизни, которая способна расцветать даже на руинах.

8 из 10

24 ноября 2016 | 02:59

Спин-офф одной из самых популярных сказок современности — «Фантастические звери и где они обитают» — вышел в прокат как нельзя вовремя. Именно в этот не по-осеннему снежный ноябрь хочется последовать детскому ожиданию чуда и прикоснуться к миру волшебства и невероятностей. Приключения Гарри Поттера остались в прошлом, и мы понемногу заскучали по сказочному миру, существующем бок о бок с нашим. На этот раз история переносит нас в начало ХХ века и сосредотачивается вокруг автора учебника о магических зверях, а так же его подопечных.

В основу сюжета легла одноимённая книга Джоан Роулинг, которая написана под авторством её персонажа и является такой себе мини-энциклопедией магической зоологии. Примечательно, что Роулинг стала также автором сценария картины. Мы знакомимся с главным героем — Ньютом Скамандером, который занимается исследованием и сохранением редких видов магических существ. По прибытию в Нью-Йорк из-за нелепой случайности сбегают несколько фантастических зверей, которые тут же начинают сеять хаос посреди и без того хаотичного города. Тайна существования магического мира оказывается под угрозой, поэтому Скамандер отчаянно бросается на поиски. Помощь ему оказывают сотрудница Конгресса магов США Тина Голдстейн, её сестра Куинни и случайно затесавшийся в этой компании обычный человек Якоб Ковальски, на участь которого припадает львиная доля комедийных моментов. Но вскоре мы понимаем, что поиски беглецов являются только верхушкой айсберга — нечто более зловещее и разрушительное пробудилось в Нью-Йорке, подвергая опасности не только жителей города, но всё магическое сообщество.

Режиссером картины стал Девид Йейтс, снявший четыре последних фильма поттерианы. Имея значительный опыт работы со вселенной саги, Йейтс приложил все усилия, чтобы «Фантастические звери» не только отвечали канону, но и стали самобытным и ярким фильмом. В конечном итоге мы получили этакую сказку для взрослых, которая не лишена мрачного реализма и в тоже время щедро сдобрена добрым и незатейливым юмором. Юмор — это именно то, чего не хватало в его последних работах, насквозь пропитанных драматизмом и трагичностью. Здесь же он помогает сгладить острые углы, добавляя в картину легкую непринужденность. Вместе с тем, Йейтс воссоздает тот дух доброго волшебства, так полюбившийся зрителям в первых фильмах поттерианы. Похвальная внимательность к, казалось бы, незначительным деталям, таким, как ожившие бумаги на столе, помогает сформировать целостную атмосферу фильма. Яркая сказочность происходящего заставляет закрыть глаза на некоторые недостатки.

Мы привыкли к магии британской закалки, с её аристократичностью, сдержанными манерами и древними замками. «Звери» же представляют нам магию иной культурной среды, которая существует и развивается во времена «бурных двадцатых» в США, что не может не вызывать интерес. Социальный и культурный динамизм этого периода, развитие индустриального производства и переоценка ценностей викторианской эпохи повлияли и на магическое сообщество, демонстрируя, что этот незримый нам мир всё же является частью культуры, в пределах которой он развивается. А в отношениях между сестрами Голдстейн прослеживается легкий конфликт между традиционным и новым для того времени образами женщины и ее положения в обществе: если Куинни символизирует тип женственности предыдущей эпохи, то «карьеристка» Тина знаменует появление новой женщины Модерна, которая наскучило оставаться в тылу.

Помимо этого, фильм порадовал также хорошим подбором актеров, среди которых мы встречаем оскароносного Эдди Рэдмэйна, Колина Фарелла, Эзру Миллера, Кетрин Уотерстоун и Дэна Фоглера, которые создали плеяду живых и настоящих героев, которым сопереживаешь, симпатизируешь или которых осуждаешь. Отдельного внимания заслуживает работа Рэдмейна, чья манера игры всегда характеризировалась некой любовью к чрезмерности. Но на протяжении всего фильма оставалось стойкое впечатление, что актер просто создан для роли Скамандера. Ему удалось создать образ обаятельного и слегка наивного волшебника, который всем сердцем любит всё живое и готов заботиться о нём даже ценой собственной жизни.

В целом, «Фантастические звери» — это добро, волшебство и сказка, созданные с любовью, а потому качественно и продуманно. Поэтому если вы всё ещё ждёте письмо из Хогвартса или же просто цените хорошее сказочное кино — бегом в кинотеатр!

16 ноября 2016 | 02:30

В наше время, когда создателям хорроров всё тяжелее напугать или хотя бы удивить зрителя, прибегая ко всевозможным ухищрениям, иногда кажется, что единственное, что остается — это обратиться к бессмертной классике.

«Нечто» относится как раз к этой категории, являя собой великолепный образец камерного триллера, достойного выдержать конкуренцию с бессмертным «Чужим». Параллели меж этими фильмами неочевидны только для слепого: ограниченное пространтсво — есть (то ли космический корабль, то ли арктическая станция), неведомая тварь из космоса в роли антагониста — есть, решительный главный герой с кудрями — есть, атмосфера отчаяния и безысходности — есть (в космосе не слышно криков, как и в Антарктике, где их просто некому услышать). Но несмотря на наличие схожестей, Джон Карпентер всё же создал самобытный фильм, который ни на секунду не ударяется в подражание успешному предшественнику.

Фильм умудряется создать клаустрофобическую атмосферу в открытом пространстве безграничных пустынь Антарктики, где герои сталкиваются лицом к лицу не только с неведомым чудовищем, но и собственными страхами, один за другим проходя проверку на прочность и силу характера. Паранойя и нарастающий ужас накаляют обстановку не хуже огнеметов. И я не соглашусь с теми, кто посчитает спецеффекты того времени смешными, учитывая тот колоссальный труд, вложенный в их создание. Пусть Нечто напоминает временами пластилиновую ворону, оно всё же пугает тебя не хуже современных чудовищ. Ведь подлинный ужас рождается из неведомого, и наибольшее напряжение вызывают сцены, когда чудовище напрямую отсутствует в кадре. Но ты знаешь — оно где-то здесь, незримое и смертоносное, отвратительное в своей противоестественности. Именно к этому первобытному страху перед неведомым и загадочным взывает Карпентер, потихоньку развивая у зрителей социофобию и недоверие к другим — ведь никогда не знаешь, где затаилось зло.

Фильм выигрывает именно за счет великолепно созданной атмосферы, заставляя тебя собственной кожей ощутить одиночество и обреченность героев. Персонажи здесь живые, из плоти и крови, им тоже страшно, они тоже в растерянности, им хочется сопереживать. А хорошая операторская работа и саундтрек авторства Эннио Морриконе помогают вжится в действо, добавляя фильму свою изюминку.

Посиму, я считаю «Нечто» одним из лучших фильмов ужасов в целом и одним из лучших фильмов Карпентера в частности, после которого ты дважды подумаешь прежде, чем напрашиваться в антарктическую экспедицию.

8 из 10

5 ноября 2016 | 11:36

Лев Толстой когда-то сформулировал простую и очевидную истину: все счастливые семьи похожи друг на друга, каждая несчастливая семья несчастлива по-своему. И увидевшая в этом году свет картина Ксавье Долана «Это всего лишь конец света» приглашает нас провести вечер в компании как раз такой уникально несчастливой семьи, ставя перед зрителем и перед самим собой вопрос о природе настоящего родства и того, что делает семью семьёй.

Фильм начинается с внутреннего монолога главного героя по имени Луи (Гаспар Ульель), который возвращается к своей семье спустя двенадцать лет разлуки, чтобы сообщить о своей смертельной болезни. Стремясь вдохнуть жизнь в отношения с родными на пороге смерти, Луи всё же осознает, что ему скорее удастся создать иллюзию воссоединения, чем восстановить подлинное родство. Дома его ждут с нетерпением мать (Натали Бай), брат и незнакомая ещё с Луи невестка (Венсан Кассель и Марион Котийяр) и сестра, которая почти не помнит его (Леа Сейду). Но идеальный, казалось бы, момент семейной встречи изначально даёт трещину, и мы, подобно герою, сталкиваемся с отчуждением и натянутостью в общении с родственниками. Долан один за другим разворачивает конфликты, показывая и проблему отцов и детей, и разных мировоззрений, и разрушающей силы затаённых обид. Все вокруг пытаются сплотиться вокруг Луи, измученные непониманием и усталостью друг от друга, но он не готов принять на себя груз такой ответственности, будучи, по сути, таким же измученным. Измученным становится и зритель, лишенный ощущения катарсиса от разрешения конфликтов и противоречий на экране. Начинаешь чувствовать себя случайным попутчиком, который становится невольным свидетелем семейных сцен. Единственный вывод, к которому нас подводит режиссер, это тщетность, и, признаться, это первое впечатление, которое оставляет после себя картина.

Долан становится весьма «доланистым», в очередной раз демонстрируя свои коронные приёмы: безумно красивая и утонченная визуальная сторона фильма, сборная солянка саундтрека и не-такой-как-все загадочный главный герой. Не лишая картину некоего обаяния, он всё же оставляет впечатление ленивой работы, не желая поднимать заданную некогда высокую планку, или же просто до нее дотянуться. Паузы затягиваются, диалоги провисают, помещая тебя в безвоздушное пространство и заставляя ожидать окончания сцены с нетерпением.

Но не все так плохо в датском французском королевстве. Благодаря этой нарочитой неловкости мы погружаемся в атмосферу происходящего, со-переживая героям и с героями, ощущая те же эмоции, плача и смеясь вместе с ними. Картина обладает высокой, если можно так выразится, эмпатичностью, захватывая в эмоциональный плен, не вдаваясь при этом до грубых манипуляций и пафоса. И ты выходишь из кинотеатра с мыслью, что родство — это нечто большее, чем кровные узы.

В итоге, фильм можно и стоит смотреть, хотя бы для того, чтобы полюбоваться его красотой и в очередной раз задуматься над ценностью взаимопонимания. Но если вы больше любите получать ответы, чем искать их, лучше проходите мимо.

2 ноября 2016 | 02:29

Невероятный такт я слышу в этом фильме. Такт, который проникнут во всё существующее кинематографическое мгновение. Любовное настроение — фильм глубоко медитативный, который, кажется, абсолютно чуждый европейскому типу мышления. Если для западных людей не добиться, не сделать всё возможное для достижения любви считается буквально крахом, после которого прежняя жизнь невозможна, то для восточных — это ещё никак не говорит о том, что ясность ума может быть утрачена. Это не конец жизни.

На протяжении фильма мы видим образы, которые столь привычны европейскому взору: офисы, часы марки Сименс, сигареты, одежду, радость новому кухонному прибору, — но это всего лишь нужна форма, которая призвана для того, чтобы передать нечто совершенно иное. Такие образы помогают нам войти в этот тянущийся, как мёд, нарратив.

Су — очень сдержанная и утонченная женщина. Это можно увидеть по большому воротничку, плотно обтягивающему шею и по туго облегающему платью, на котором нет ни единой складки. Чоу — привлекательный, но не слишком эмоциональный, мужчина. В этом фильме вообще персонажи как будто избавлены от той взрывной импульсивности чувств, что так свойственна западникам.

Интересно, что истинная любовь не терпит вмешательства, она как будто не терпит и секса. Постельные сцены, которые были отсняты режиссером, полностью исключены. Что, на мой взгляд, было правильным решением. Секс не имеет ничего общего с любовью. Любовь чувство созерцательное, а созерцать человек может только в состоянии «ничего-не-делания», т. е. когда соблюдается дистанция между объектом и субъектом. Похожее мы видим и в фильме: главные герои, которые по определенной случайности одновременно селятся в соседние комнаты и имеют схожие судьбы. Кар-Вай не показывает их супругов, оставляет нам воздух для раздумий. Это создает иллюзию того, что их могло бы и не быть вовсе, а может и они изменяют Су и Чоу друг с другом, а возможно и что-то ещё.

После моментов, связанных с исключением постельных сцен, можно сделать вывод, что кино получилось абсолютно иным. Телесное прикосновение сведено к минимуму. Они находятся рядом друг с другом, наслаждаются обществом друг друга и изредка касаются рук. Она помогает ему с написанием книги про боевые искусства. Так Су и Чоу сближаются. Видя это, они не хотят, чтобы это было «как у всех». Звонки на работу дают почувствовать нам эту дистанцию, которая остается между ними до конца фильма. Сидя в кафе Су узнает галстук, который такой же как у мужа, а Чоу розовую сумочку его жены. Их взаимоотношения — это трепетная ода, которая живет в определенном состоянии невесомости. Они не рискуют преодолеть последний барьер, после которого воссоединение будет не только духовным, но и телесным. Этот момент немаловажный, потому что такое состояние ввергло бы западного человека в неистовство, либо в томление, которое превращается в нестерпимый зуд. Вспомнила один из рассказов Лондона про пару, что не прикасалась друг другу, про чистую платоническую любовь. Все удивлялись ей, а их чувства становились всё крепче и крепче, но после взорвались и на очередное утро мужчина из рассказа понимает, что больше не хочет девушку, что он её разлюбил. Секс становится такой главной точкой, которая призвана продолжить и укрепить отношения. Тут же мы наблюдаем противоположные вещи.

Всё происходящее на экране замедляется, время начинает плыть, подобно тихой реке. В этом темпе для нас открываются совершенные образы, на которые мы — люди привыкшие бежать и что-то делать — не способны обратить внимание. Фильм расцветает словно цветок, оставляя легкий аромат послевкусия.

Казалось бы, что происходящее похоже на рану, что не может зажить. Но Су находит счастье в ребёнке, от нелюбимого мужа, а Чоу, не в силах преодолеть память, рассказывает свою сокровенную тайну в отверстие колонны и затыкает её землей, тем самым оставляя тайну там навечно. Символ монастыря в Камбодже введён не случайно. В моем понимании, он говорит о смирении и принятии того, что уже нельзя поменять. Неумолимое течение времени, хоть и такое размеренное, сообщает нам одну из ключевых особенностей киноленты: «прошлое — это нечто, что можно мысленно увидеть, но невозможно коснуться».

После окончания фильма невольно ощущаешь изменение ритма и течения времени самой реальности. Кровь в горячих жилах успокаивается и в очередной раз бегут мурашки по коже от повторяющийся музыки. Невероятные детали и манера повествования чем-то отдаленным напоминает мне Ясудзиро Одзу (японский кинематографист). Важно не только ведь смогли герои стать счастливыми или нет, спустя много разных препятствий, а и то, что образуется на экране независимо от них, — это определенная палитра ощущений, которые дают гораздо больше, чем захватывающий сюжет.

10 из 10

22 октября 2016 | 21:30

Задайте себе этот вопрос честно. Без алкоголя, без куража, бравады и всего прочего, что так подстегивает на громкие слова. Посмотрите на себя нагишом. Ну что? Не переживайте, единственный ответ может быть нет. И вас нечего винить. А кто ответит да? Наверное, тот, кому нечего терять. Человек, который уже не имеет своей жизни. Странно, что никто не боится умирать. Люди живут, словно не ощущают смерти, как будто этот последний пограничный пункт им не знаком и он находится очень-очень далеко. Интересно получается, что как только человека предупреждают о неизлечимой болезни, он начинает чувствовать присутствие смерти неотделимо от своего бытия. Остается только слушать душу, быть искренним, прямым и честным. Откуда вдруг берутся на всё это силы?

Главный герой этого фильма — человек, который вынужденно был воскрешен из мира мёртвых. В начале диктор произносит слова: «Он вроде бы занят, но по сути ничего не делает». Вот так человек в мелких заботах теряет себя и собственную индивидуальность. Желания хороши тем, что они воспламеняются с моментальной скоростью и плохи, что так же быстро стухают. Если направить свою энергию в одно русло, то человек начинает деформироваться в ровной пропорции с приложенными усилиями.

Старик узнал страшный диагноз в смягчаемой форме. Врач говорит, что это обыкновенная язва. В больнице к нашему герою подсаживается человек, который разоблачает вранье доктора. И тут накатывает полное отчаяние. Он впервые пропускает работу за 29 лет, притом раньше никогда даже отпуска не брал. Старик выгорел, стал сухим и твердым. Бюрократическая машина — всего лишь пинцет, который открывает нам человеческие характеры и натуру. Клерки, что сидят по разным департаментам не видят ничего, даже себя, а потому, можно предположить, умирают намного быстрее. Когда человек устает жаловаться на жизнь — он замолкает. Старик осознает, что в жизни не сделал ничего стоящего. Штамп на бумажках — единственное, что может его рука. От молодой, живой и так по-детски наивной сотрудницы слышит, что его прозвали «Мумией». Это откладывает отпечаток трагичности прожитых лет.

Переоценивать жизнь всегда не легко, особенно когда это надо сделать в сжатые сроки. У него остается всего лишь 6 месяцев. Старик практически не говорит никому о своей болезни. Из-за этого на работе ползут слухи, а дома думают, что на старости лет он решил загулять. Непонимание увеличивается. Всё, что старик делал было ради сына, но он не разглядел этого, ему и не надо было. Всё, что хотел сын — наследство.

Последняя половина фильма открывает взаимоотношения старика, который понял, что надо сделать, осознал, что единственное стоящее дело — это вместо выгребной ямы сделать детскую площадку. Берет на себя инициативу и добивается постройки уверенным и смиренным путем. Всё это мы слышим из уст его сотрудников. Они дерутся и возвеличивают главного героя у него же на похоронах, принижают себя и кричат. Верховное начальство считает, что заслуги в постройке парка не столько его, сколько государственного механизма в целом.

Акира Куросава мастерски, как хирург, показывает подноготную маленьких меркантильных человеческих душ, что неспособны строить полноценные взаимоотношения не только с другими людьми, но и с собственными мыслями. Такие люди, как правильно, и лишены очень важной способность — помочь. Эстетика реальности вонзается в сердце острым пером. Такаси Симура передает в своей мимике нечто большее, чем болезнь и муки отдельного старика. В его лице видна вечность неразрешимых человеческих проблем.

Это кино про совесть, про то, что никогда не поздно сделать что-то стоящее, про отвагу и мужество довести дело до конца, про стойкость и непреклонность. Когда жизнь уже отдана болезни и остаются считанные часы, тогда человек забывая о себе готов совершить нечто большое. И это большое — шаг на встречу к самой жизни.

Мне думается, что у людей нет времени ненавидеть друг друга и для этого не надо быть больным, для этого надо просто остановиться и громко крикнуть себе в лицо: — Я Человек!

10 из 10

22 октября 2016 | 21:29

История США полна противоречий и конфликтов. Безусловно один из самых ярких — это отношения «черной» и «белой» рас. Сегодня мы наблюдаем подчеркнутую политкорректность во всех сферах американской культуры, которая в то же время уживается с мелким и не очень бытовым расизмом. Взять к сведению хотя бы тенденцию фильмов ужасов «чернокожий персонаж умрет первым», которая уже давно стала объектом шуток.

Но совсем по-другом дела обстояли на американском Юге середины ХХ века. Отмена рабства в далеком 1865 году не стала панацеей от всех бед общества, чернокожее население по-прежнему подвергалось остракизму и унижениям, их права попирались и их свобода часто была лишь формальной свободой.

Вовсе не случаен выбор места действия фильма — штат Миссисипи, который ратифицировал Тринадцатую поправку только в 2013 году — спустя полвека после происходящего. Сюжет завязывается вокруг расследования убийства трех активистов движения за права человека и последовавших за ним массовых расправ. Сразу же охота подчеркнуть отлично построенную детективную линию, которая держит зрительское внимание на крючке до последних минут фильма. Но помимо детектива, «Миссисипи в огне» является хорошим образцом правильного триллера, который умело нагнетает обстановку, не прибегая к визуальным излишествам. В пример хочу привести совершенно потрясающую сцену с бритвой, которая заставила меня буквально вжаться в спинку дивана. Важно, что Алан Паркер не ставит цель шокировать зрителя бессмысленным сценами насилия. Все, что нам продемонстрировано, показано ровно настолько откровенно, чтобы фильм выглядел правдиво, не позволяя зрителю прятаться за подушкой. Он призывает нас смотреть и помнить обо всех ужасах, которые тогда происходили, обо всей бессмысленной и зверской жестокости тех, кто провозглашал себя добрыми христианами.

Восстанавливая кровавые события 1964 года, Паркер поднимает острые темы равенства и прав человека, свободы и ответственности, закона и беззакония. Режиссер показывает нам мир таким, каким он есть, без деления на черное и белое. «И ещё неизвестно, кто больше виновен: тот, кто стреляет, или тот, кто равнодушно смотрит на это», говорит герой Уиллема Дефо. И глядя на происходящее на экране, мы понимаем, что равнодушие есть большее зло, нежели откровенная жестокость, потому что именно оно дает ей почву.

В итоге, благодаря работе съемочной команды, хорошей режиссуре, достойной актерской игре и прекрасной операторской работе кинематограф пополнился отличным триллером, который ещё раз напоминает: ад — это другие.

8 из 10

20 июля 2016 | 23:00

Поиск друзей на КиноПоиске

узнайте, кто из ваших друзей (из ЖЖ, ВКонтакте, Facebook, Twitter, Mail.ru, Gmail) уже зарегистрирован на КиноПоиске...



Друзья по интересам (291)
они ставят похожие оценки фильмам

имя близость

makhome

89.325% (956)

Владислав Карпов

88.5474% (786)

OFFspring90

88.4994% (1244)

seraphum

87.8106% (934)

Tskay

87.7654% (850)

V for Vanya

87.554% (860)

Kaybol

87.3691% (872)

Dr.FLASH

87.3342% (1153)

Bender97

87.2708% (874)

lgin

87.2702% (868)

Sanja100

87.2053% (1077)

Сергей Мартыненко

87.0624% (1362)

kinospam

86.861% (886)

heonke

86.6928% (1450)

Nick Culver

86.3925% (1288)

Teosofff

86.3339% (1008)

Ser_Yogik

86.2032% (872)

-Driver-

86.1793% (1120)

Шура Латышев

86.1019% (1179)

goldtrane

86.0512% (1062)

abaitalgatov

85.9832% (984)

Corvus tristis

85.8819% (836)

Ivanov001

85.8058% (841)

ComeOnDante

85.7543% (908)

Daria_Skye

85.711% (843)

M V

85.7036% (839)

mwwonderwall

85.5754% (900)

fixer70

85.5281% (1259)

Антон Жигулов

85.466% (857)

Дима Васин

85.436% (995)