всё о любом фильме:

Kedens > Рецензии

 

Рецензии в цифрах
всего рецензий122
суммарный рейтинг997 / 602
первая7 мая 2009
последняя7 февраля 2013
в среднем в месяц15
Рейтинг рецензий


 




Подтверждение удаления
Вы можете удалить не более пяти своих рецензий. После удаления этой рецензии у вас останется возможность удалить не более . После удаления этой рецензии у вас останется возможность удалить только еще одну. После удаления этой рецензии вам больше не будет доступна функция удаления рецензий. Вы уже удалили пять своих рецензий. Функция удаления рецензий более недоступна.

Все рецензии (122)

Макс Пэйн, некогда сотрудник полиции в отделе борьбы с наркотиками и счастливый семьянин, вынужден отомстить убийцам своей семьи. Однажды он приходит после работы домой и обнаруживает свою убитую жену и маленького ребенка. Двое убийц расстреляны на месте, но один исчез. Макс, обуреваемый желанием мести, переходит в отдел «висяков». Дело осложняется тем, что его подозревают в убийстве девушки, рядом с которой обнаружен его бумажник…

Джон Мур, будущий постановщик пятой части «Крепкого орешка» и проходного ремейка «Омена» вместе со своей командой очень рисковал. Фильм датируется 2008 годом. Экранизацией игр откровенно никто не хочет заниматься. Выработанная Роджером Эбертом формула, что 100% подобных постановок обречены на провал, подтверждалась. И дело не в повальной экранизации Уве Боллом разного рода игр, а в том, что сама по себе задумка практически не состоятельна. Тем не менее продюсеры решились выделить небольшую по меркам современного Голливудского кино сумму. Что же у них получилось?

Постановка получилась в общем смысле положительная. Это уже радует. Что ещё больше меня обрадовало — фильм одинаково смотрится и как ЭКРАНИЗАЦИЯ и как отдельный фильм — для тех, кому не довелось оценить игру. Я рассматривал «Макс Пэйн» как экранизацию. Восхитительный визуальный ряд, достаточно большое сходство с игрой не могло меня не обрадовать. В то же время расстраивало то, что фильм сделан по лучшим традициям боевиков 90х гг. Если стрельба — то обязательно разбить все стёкла, если человек падает с крыши — то обязательно на машину. Если в главного героя стреляют — то он всё равно не умирает… И всё же, как достаточно брутальный боевик, фильм смотрится превосходно! Я счастлив, что мои опасения не оправдались по части концовки… я так боялся дурацкого слащавого хэппи-энда. Но тем, кто прошёл игру до конца поймет, что именно такой финал и должен был быть.

Отдельно хочется похвалить дубляж. Я с большим подозрением отношусь к дублированным фильмам. Однако если и попадаются хорошие работы — то как правило на Петербургской студии «Нева». Этот образчик как раз оттуда. Голоса подобраны превосходно, тембр и общая интонация выдержана на должном уровне. За все фильмы 2000х гг — это наверное третий дубляж, который мне понравился после «Города грехов» Родригеса и «Дежа Вю» Тони Скотта.

Редко-редко, но попадаются всё же достойные работы в поджанре «экранизация»: например «Обитель зла» или «Сайлент хилл» (который кстати был мной просмотрен раньше, чем пройдена игра). Теперь и данная работа.

Последнее время всё чаще говорят об экранизации «Warcraft». Не знаю что из этого получится, по-моему такую вещь как раз-таки невозможно перенести на экран. Также есть информация, что около пятнадцати (!) раз обращались к гейм-компании «Gathering Developers» за правами на экранизацию дилогии «Мафия». Всем было отказано. Ну и слава Богу!

7 из 10

7 февраля 2013 | 06:39

Некоторым людям поднимают настроение комедии. Кого-то радуют мультфильмы. Я же — фанат американских ужасов 80х. Все эти слэшеры, фильмы о зомби — глупые, но тем не менее с прекрасно выстроенной атмосферой. Сегодня на очереди один из таких шедевров и в конце — на закуску, совсем немного об ужасах как таковых.

Антарктика. 1982 год. На американскую исследовательскую станцию прибегает собака. За ней по снежной пустыне мчится вертолёт, двое пассажиров которого изо всех сил пытаются убить животное. Американцы оставляют животное у себя, а в следствие несчастного случая, вертолёт с людьми взрывается. Позже оказывается, что вертолёт и члены экипажа принадлежали к соседней (условно соседней) норвежской станции. Учёные раскопали во льдах нечто внеземное, что могло менять форму и превращаться в то существо, в которое оно вселиться. Перебравшись в виде «собаки» на американскую станцию, инопланетное создание пытается овладеть сначала этими людьми, а затем и перебраться на Большую Землю вод видом одного из членов команды, внешне никак не отличимого от обычного человека. После смерти начальника станции, командование на себя принимает пилот вертолёта МакРиди (Курт Рассел). А в пространстве небольшой исследовательской базы обстановка начинает накаляться…

Не знаю — есть ли ещё люди, которые в своё время не увидели этот фильм. На DVD ли или на VHS. Да и по ТВ его показывают довольно часто. В первую очередь прелесть фильма в его атмосфере. Тут сразу же нельзя не упомянуть блистательный (просто один из моих любимейших фильмов за всю историю американского кино) фильм «Чужой», несколько чётких отсылок к которому мы видим. В обоих этих фильмах атмосфера накаляется постепенно, с каждой смертью. Хотя природа «паники» в фильмах принципиально иная. Если в картине Скотта «что-то» было откуда-то со стороны и страх нагнетался тем, что пойманным мог быть кто и когда угодно, то Карпентер выстроил саспенс тем, что «кто-то среди нас не тот, за кого себя выдаёт». Причем в обоих фильмах кроме общего настроения есть ещё и абсолютная метафизическая безысходность. Оба фильма происходят в масштабе замкнутого пространства, от которого некуда бежать и в обоих случаях с внеземным существом непонятно как бороться. Логически МакРиди предполагает о том, что можно смешать образец крови здорового человека с образцом заражённого, но кровь образцы крови оказываются уничтоженными. А в атмосфере тотального недоверия нельзя узнать — кто уже заражён, а кто нет.

На VHS картина выходила с названием «Тварь», что немного некорректно мне кажется. Такое название сразу же отражает характер этого создания. «Нечто» же звучит более таинственно и зловеще. Также как грамотно свой фильм Ридли Скотт назвал «Чужой», а не «Тварь из далекого космоса», как предполагалось на стадии написания сценария.

Я не очень люблю современные американские фильмы о пришельцах. Сейчас, объевшись хотя бы названными мной работами, монстры и прочие чудовища уже не выглядят такими страшными. Кино эволюционирует, а пришельцы в кино до сих пор выглядят одинаково с текущими отовсюду, простите, жидкостями и всегда ПЛОХИЕ и ВРАЖДЕБНЫЕ. Что очень странно. И именно поэтому три года назад так здорово «выстрелил» фильм «Район N9», где пришельцы не были показаны стереотипно злобными и похожими на типичных инопланетян.

Смотреть ли этот фильм? Естественно да! Что ещё можно посоветовать? Если вы ещё не видели «Нечто» — то смело могу сказать, что вы упустили одного из «законодателей» хоррора 80-90х гг.

И в завершении о двух «ветвях» хоррора.

У Карпентера есть две лучших картины. Каждая из них представляет свою ипостась фильма ужасов, гремевших во всех видеосалонах 80х гг. Это «Хэллоуин» и «Нечто». Первый — типичный слэшер, созданный и собранный так, что взяв его за образец, лихие американские режиссеры стали создавать целую плеяду великолепных сериалов. Студенческий городок, либо обычный небольшой город (в таком случае жертвами будут сиделки), неведомый убийца в маске, куча порезанного народа и единственная выжившая, как правило весьма скромная и тихая, оказывает убийце серьёзное сопротивление. Ну а дальше слэшер расходится ещё на две ветви: «убийца среди нас» — «Крик» и «Я знаю, что вы сделали прошлым летом» и «убийца со стороны» — «Пятница 13е», «Кошмар на улице Вязов». «Нечто» — это именно УЖАСЫ. Придётся повториться в описании его признаков, но это замкнутое пространство, тотальное недоверие, совершеннейшее неведение и, на первый взгляд, невозможность борьбы с этой тварью. И атмосфера здесь находится на первом месте. Если бы «Нечто» был бы просто фильмом, где инопланетянин переселяется из одного человека в другого, убивая остальных — был бы просто проходной фильм.

Чёрт побери, этот фильм даже номинировался на «Худший саундтрек».

10 из 10

5 февраля 2013 | 12:17

Внимание! Нижеследующая запись является сугубо личным мнением.

Некий мсье Оскар разъезжает в белом «лимузине» по Парижу. Он перевоплощается то в одного человека, то в другого. Но с увеличивающимся количеством этих «реинкарнаций» он уже не может найти себя…

Собственно вот это получилось вычленить из этого бесконечного нагромождения эпизодов. Сразу оговорюсь: я не ханжа и не жду от любого фильма ответов на все вопросы. Однако есть картины, которым даже вопросы неудобно задавать. Есть картины, с которыми всё понятно, как и с режиссером. Тем неудивительно, что фильм участвовал на Каннской церемонии. Последние несколько лет наблюдаю грустную и тревожную тенденцию: нужно снять нечто шокирующее, сделать это как можно более сумбурным, растянуть на немыслимое количество минут и ты уже, собственно, номинант в каком-то фестивале. Может, конечно, повезти и премию получишь вторым же своим фильмом. Говорю о бредовом «Дядюшке Бунми»…

Есть фильмы, которые оставляют равнодушными — ощущения ровными как пульс мертвеца (для меня это добрая половина фильмов Антониони), а есть картины, которые вызывают в разной степени раздражение, когда совершенно видна неискренность автора, его лукавство и дикое желание получить главный приз на таком-то фестивале. К таким я бы отнёс Сокурова, позднего Тарантино и позднего Фон Триера. А ещё есть картины, которые режиссеры вообще по-моему снимают для себя — ну самый классический пример — бесконечно мной ненавистный, раздражающий одним своим напоминанием — «Хрусталев, машину» Германа. Теперь вот ещё к ним записал и картину Каракса. И если с Германом всё понятно уже давно — там «клиника» в тяжелой форме от человека, который рождён страдать от самого рождения в этой «опущенной стране» (взято из репортажа А. Германа о фильме «Хрусталев, машину»), то от вполне себе зрелого французского режиссера в самом расцвете сил — такого ожидать было трудно.

Очень меня умиляют как «учёные» (профессиональные критики) пытаются вычленить из сюжета несуществующие метафоры. Вот например если здраво посмотреть — что вразумительного можно извлечь из эпизода, когда Оскар в образе сумасшедшего бомжа откусывает пальцы помощнице фотографа, а затем окровавленным языком облизывает бритую подмышку Евы Мендес и утаскивает её в канализацию, где питаясь цветами с могил с надписью «Visit my website», раздевается догола, ложится на эту фотомодель и обсыпает себя цветами? А в эпизоде, где он просит милостыню в образе пожилой старушки? Это о чём? К чему и зачем? Если даже собрать воедино эту кучу лихорадочных картинок — то может сложиться общий фон — да, Оскар играет некие роли в каком-то полуфантастическом мире будущего, где люди не умирают от пуль и не теряют кровь из перерезанного горла. Но тем не менее главные проклятые вопросы, чёрт побери, так и остаются без ответа: о чем и зачем? Что хотел автор передать финальными двумя сценами, когда Оскар отправляется «домой», где его ждут жена и ребенок в виде…чёрных горилл и Селин, поставившая в гараж организации «Святые моторы» свой «лимузин», надевает маску, а мы слышим разговоры припаркованных после рабочих смен одинаковых автомобилей?. А ничего это не значит! Каракс — как Сорокин — пишу что хочу, а вы думайте над моими записульками. А я вам «ничего объяснять не буду — я не шизофреник и самоанализом своего творчества не занимаюсь» (из интервью Вл. Сорокина ведущим радио «Маяк», 2009 г.). Собственно, разговоры «лимузинов» — единственная вещь, которая меня порадовала. Они кажутся куда более умными, чем пустой говор их хозяев и бесцельное разъезжание по городу.

В конце этого всего потока негатива хочется сказать и о безусловно положительной стороне — действительно великолепной игре актёра Дени Лавана. Он — восхитительный мастер перевоплощений, достойный похвалы. Он-то как раз вполне заслуживает Каннского «трофея» за свою работу. Но это не отменяет бредовости и пустоты этой картины. Да и вообще при чём тут «Святые моторы»?

3 из 10

3 февраля 2013 | 17:48

США. 50е годы. Школа Уэллтон. В начале нового учебного года к ребятам приходит новый учитель литературы — Джон Киттинг. Он имеет весьма странный и очень нетипичный подход к преподаванию. С первых же уроков он приучает ребят к самовыражению, собственному пониманию литературы и отказ от «академического» восприятия поэзии. Позже он знакомит их с «обществом мертвых поэтов» — незримым сообществом в каждой социальной группе, где ребята стремятся к тому самому самовыражению. Другие учителя и директор в частности крайне холодно относятся к новому учителю, считая, что для будущих экономистов и банкиров не так уж важно настолько экзистенциальное и при том индивидуальное понимание литературы…

Питер Уир создал блестящую социальную драму. В самом классическом её понимании. Взяв за основу прекрасный сценарий Тома Шульмана, справедливо получившего «Оскар», он выдал фильм, который в нынешнее время смотрится как никогда актуальнее. Проницательный Джон Киттинг (великолепная игра блистательного Робина Уильямса) прививает ребятам посредством полумифического «общества» даже не любовь к предмету как таковому, а к пониманию себя, прислушиванию к себе, самовыражению и определению.

Сейчас в России идёт реформа образования и нынешним школьникам с младых лет навязывают как раз то, с чем и боролся (а точнее сказать — уходил от этого) Киттинг. Крайне показательна сцена на самом первом уроке, когда ребята вырывают предисловие «Понимание литературы», где некий выдуманный литературовед даёт совершенно глупые, нелепые и шаблонные примеры изучения поэзии. Насколько грамотно выстроена и великолепно снята сцена чтения собственных стихов ребятами. С его — Киттинга — помощью молодые люди избавляются от своих комплексов — один наконец знакомится с понравившейся ему девушкой и побеждает свою застенчивость. Тоже, кстати, с помощью стихов. Другой же решает реализовать себя на театральной сцене.

Здесь, кстати, нельзя не остановиться ещё на одной линии повествования — взаимоотношениях Нила Перри со своим отцом. Блестяще отыграв на сцене свой первый спектакль, Нил ругается с отцом, который хочет, чтобы его сын после школы поступил в Гарвард и стал врачом, а не как не актёром. Он наотрез отказывается понимать и прислушиваться к разговорам молодого парня о том, что у него совершенно иное призвание. Это приводит к самым драматическим последствиям.

И тут, наконец, я не могу не подметить странный феномен. Несмотря на щемящие финальные несколько сцен и исход отношений Нила с отцом, фильм в высшей степени жизнеутверждающий. Это весьма странное явление, но это так.

Нельзя не отметить кроме игры актёров всё-таки великолепную работу австралийского мастера — Питера Уира. Фильм своей атмосферой коллежда и манерой постановки неумолимо напоминает другой его более ранний шедевр — «Пикник у Висячей Скалы». Этакий «академический лиризм» — в смысле академической музыки. Эстетски выполненная, очень глубокая лента, которую нужно смотреть молодым людям и их родителям. Я не берусь говорить с какого возраста, вместе или отдельно от родителей. Но смотреть его нужно и тем и другим. Он будет крайне полезен и научит очень многому. И кстати учителям его тоже не мешало бы посмотреть.

Маленькое замечание. Дубляж фильма, идущий по ТВ иногда, выполненный в середине 90х гг конечно не чета совершенно бездарным нынешним, но тем не менее я бы рекомендовал эту картину смотреть либо с субтитрами, либо с возможностью прослушивать оригинальный текст. Это один из тех фильмов — собственно странно такое говорить про американский кинематограф рубежа 80-90х гг — голоса из которого практически невозможно скопировать. Особенно в сценах в хижине в самом «Обществе мёртвых поэтов» в голосах ребят можно услышать совершенно удивительные интонации, которые начисто «зализал» дубляж.

P.S. Слышал, что Питер Уир пока безуспешно пытается найти средства для постановки картины о Рубенсе. Зная его подход к материалу — утончённо, со вкусом и уважением — я думаю более тщательно не способен изложить о жизни великого художника.

9 из 10

3 февраля 2013 | 13:15

Фильм нам рассказывает о Фанни Брайс (на пиратских VHS кассетах переводили «Пенни Брайт» — почему-то хочется назвать героиню Барбары Стрейзанд именно так) — некрасивой девушке «с тонкими короткими ногами и огромным носом». Она всегда мечтала играть на сцене. Благодаря своей настойчивости и обаянию, её принимают в местный водевиль. Она выступает ужасно, но благодаря овациям публики и прекрасному голосу, хозяин оставляет её. Вскоре она знакомится с обаятельным Ником Арнстином (Омар Шариф), в которого она влюбляется. Однако он вскоре исчезает, а Фанни приглашена в Нью-Йорк к известному конферансье Флоренцу Зигфелду (Уолтер Пиджон) — человеку требовательному, строгому и влиятельному. После небольшого конфликта «на почве творческих разногласий» с Зигфелдом, перед Фанни поставлен ультиматум: или она исполняет финальную песню или она уволена. Фанни обыгрывает ситуацию и Зигфелд в бешенстве. Однако её «спасает»…всё тот же Ник Арнстин, чтобы вскоре снова исчезнуть.

Проходит некоторое время и во время гастролей — прямо на железнодорожном вокзале Фанни и Ник снова встречаются. Женщина оставляет труппу и сбегает с ним в Европу. Они женятся. Начинается счастливая семейная жизнь. Однако не тут-то было… Ник сначала погрязает в карточных долгах, а затем ввязывается в аферу с ценными бумагами, и садится в тюрьму. Спустя полтора года он выходит, но Фанни понимает, что их отношения никогда не будут прежними.

В сущности, эта длинная красивая история «гадкого утёнка», ставшего великой певицей, является мелодрамой в главной роли, а не мюзиклом. Здесь я повторяюсь. В фильме есть положительные моменты и отрицательные. Попробуем разобраться.

История конечно очень красивая. Причем во всех смыслах. С хорошей задумкой, прекрасными песнями и красивыми съёмками. Несмотря на то, что я не люблю ни Стрейзанд, ни тем более Омара Шарифа (но это моё личное мнение. При прекрасном голосе, Стрэйзанд являлась неоправданно капризной и заносчивой женщиной с клинически завышенной самооценкой), играют они восхитительно. Другое дело, что у известного актёра — выходца из Египта — какая-то слишком неестественная улыбка, совершенно некрасивая. Хочется дополнительно похвалить (и одновременно упрекнуть) и режиссера Уильяма Уайлера (о нём я ещё скажу несколько слов ниже), принявшего решение снимать фильм в стиле «оперетты» — когда актёры играют свои роли, но в определенный момент начинают петь. Этот ход явно явил собой поклон в сторону «Шербурских зонтиков», которые значительно повлияли на кинопроизводство. Именно им обязаны «бумом» мюзиклов 60-70х гг.

Из отрицательных сторон я бы назвал этакую «лихорадочность» повествования. Я прекрасно понимаю, что создатели хотели сделать многогранную историю, но картине не хватает «плавности». Она «скачет» от откровенной комедии в самом начале до мелодраматичной развязки в конце. И уж точно я бы долго думал чтобы назвать фильм «музыкальной комедией». Если музыкальной — возможно, то уж точно не комедия.

Уильям Уайлер. Режиссер с очень яркой и при том драматической судьбой. Восхитительный режиссер, он всегда имел прекрасное чувство меры и выстраивал огромные протяжные эпизоды с филигранно выстроенными сценами. Он начал работать в короткометражках в эпоху «немого кино» — тогда его постоянным актёром был никому не известный ни тогда ни сейчас — Фред Гилман, который после Войны стал журналистом и после 30х гг более ни разу в кино не появлялся. С появлением звукового кино, Уайлер уже после второй своей картины «Додсуорт» утвердился как постановщик, тщательно прорабатывающий каждый кадр. В его картинах в разное время появлялись такие восхитительные звёзды как Чарльтон Хестон, Хамфри Богарт, Одри Хепберн, Бетт Дэвис, Грегори Пек и многие другие. Однако к началу 50х гг Уайлер начал терять, по мнению тогдашних кинокритиков, своё влияние. После Войны кино развивалось очень быстро, началась эпоха «нуар» и «саспенса», где главными законодателями были Уайлдер и Хичкок. Появились новые «тренды», как бы сейчас сказали, и веяния моды. И работы Уайлера стали казаться архаичными. После картины «Римские каникулы» вышло несколько проходных картин и режиссера собирались отправить в «почётные ветераны». Однако продюсер Сол Сигел, подыскивающий для очередного «пеплума» постановщика решил, что здесь «безмонтажные» (Chris Engelgard — историк кино, США) методы работы уходящего на покой режиссера будут как никогда кстати. Итогом стал немыслимый по сложности работы фильм «Бен-гур» — первая и единственная историческая картина Уайлера — и 11 «Оскаров» (больше — по 12 получили лишь «Титаник» и третья часть «Властелина колец». Через восемь лет вышел и герой этого «номера» — «Смешная девчонка». После чего режиссер окончательно ушёл на покой.

7 из 10

2 февраля 2013 | 14:46

Фильм рассказывает нам о Володе и Вале. Молодых ребят, вступающих во взрослую жизнь. Близится конец Войны и они вспомнили свою первую встречу — во время эвакуации в 1941м. Валя с сестрой, оставшаяся без матери, оказывается сначала в детдоме, а затем у родственников. Володя же с матерью оказывается в эвакуации, где устраивается работать на авиационный завод и поселяется в общежитии, чтобы не мешать матери строить после развода с отцом дальше личную жизнь.

Фильм — драма в самом классическом смысле. Эти истории могли произойти в любое время — не обязательно в годы Войны. Нам показывают вступление во взрослую жизнь двоих молодых людей. Хотя линия Володи кажется гораздо чётче. На заводе он обретает новых друзей и в частности земляка Романа — ленинградца. Действительно из-за Войны опередивший свой возраст Володя отправляется в родной город к отцу, надеясь уговорить его послать вызов матери. Они хотят уехать из города потому что у матери складывается отчётливая репутация «распутной женщины», вырастившей второго ребенка без отца — её новый ухажер сбежал сразу, как узнал о её беременности. У отца же оказывается другой ребенок — сводный брат Володи, с которым они знакомятся практически в самой финальной сцене.

В картине не может не порадовать великолепная игра актёров. И особенно игра Бори Токарева — Володи. Кстати в своё время возникла путаница Бориса Токарева из этого фильма и Бориса Токарева, играющего Митю Лопухина в «Ста днях после детства» Сергея Соловьева. Последний более известен ныне как актёр дубляжа. В фильме есть одна сцена, в которой напряжение персонажей и актёров (что редко бывает в современном кино) буквально как струна — это встреча Володи с новым ухажёром матери (С. Чекан).

Также отдельно хочется отметить работу Альфреда Шнитке, его дебютной работе в киномузыке. Сам композитор относился, как известно, к музыке в кино несколько холодно — больше известен как театральный композитор и дирижер. Музыка в фильме модернистская, дисгармоничная, что положительно сказывается на фильме.

А вот что не могу похвалить в фильме — это сценарий. Точнее его структуру. Сама идея великолепна и актёры, повторюсь, прекрасные. Однако решение сделать фильм из отдельных кусочков, придать нелинейный стиль повествования пошло ему явно не на пользу. Фильм несбалансирован и рассказан какими-то скачками. Ну и мне показалась не совсем удачной работа оператора, хотя, возможно это обусловлено материальным положением. В фильме с большим перевесом преобладают крупные планы. В кадре присутствует либо панорама (например солдат, отправляющихся на Войну во время сцены на вокзале 41го года), либо один-два человека максимум.

Как бы то ни было фильм хорош и смотреть его нужно в обязательном порядке. Особенно подросткам в том самом возрасте, о котором тут и рассказывается. Даже удивительно, что картина ныне практически неизвестна и по ТВ её крутят очень редко, если крутят вообще. Она, на мой взгляд, является одним из предвестников темы «оттепельных» картин «Мне двадцать лет» Хуциева и «Листопад» Иоселиани.

7 из 10

28 января 2013 | 08:59

Испанская телеведущая Ребека (Абриль) встречает в аэропорту свою мать Бекки (Паредес) — знаменитую актрису и певицу, которая на протяжении многих лет жила и работала в Мексике. Ребека всю жизнь старалась подражать матери и даже вышла замуж за одного из её бывших любовников, Мануэля. После того, как мать возвращается в Мадрид, её отношения с Мануэлем возобновляются. Однажды вечером труп застреленного Мануэля находят на загородной вилле. Ведущий расследование судья Домингес (Бозe) выясняет, что перед убийством на вилле поочерёдно побывали Ребека и её мать. Обе женщины оказываются в числе подозреваемых. Однако судья неравнодушен только к одной из них…

(источник «Wikipedia»).

Сразу оговорюсь — цитата с Википедии приведена не потому что я такой ленивый, а потому что действительно сжато и точно описан сюжет. Лучше у меня уже не выйдет.

Альмодовар — режиссер любопытный. Он, конечно, безусловный романтик. Особенно в поздних своих фильмах. Были и картины вроде «Женщины на грани нервного срыва», где, как мне казалось, слово «серьёзность» не применимо вовсе. Были же ленты и совершенно серьёзные («Всё о моей матери»). Любопытен же режиссер следующим — его творчество волнообразно. В буквальном смысле. После далеко не лучшей картины «Закон желания» вышли две совершенно восхитительные картины — упомянутые «Женщины на грани…» и чернейшая безбашенная комедия «Свяжи меня…». Дальше снова пошёл какой-то спад в творчестве чтобы воскреснуть для очень серьёзного и вдумчивого кино «Всё о моей матери», «Поговори с ней» и т. д.

«Высокие каблуки» — переходная картина. Она переходит из его китча в чистом виде к серьёзному и глубокому кино конца 90х гг. Но какой бы ни был период творчества испанского мастера — это картины всегда уровня высочайшей режиссуры и какого-то очень латинского настроения. По-моему ни одна из ранних его картин не остаётся без потрясных танцевальных номеров. В своё время при просмотре немного утомляло «жонглирование» именами. А Бекки и Ребекка вообще смешались в моей голове.

Собственно, что сказать о самой картине? Это не лучшая работа Альмодовара. Далеко-далеко не лучшая. Самое главное потому, что в ней отсутствует «изюминка». Оно не настолько «карнавальное» чтобы быть как «Девушки на грани…» и не совсем серьёзное как «Всё о моей матери». История о том как Бекки была кумиром очень многих и даже своей дочери, всю жизнь подражавшей ей. Отношения их между тем так и оставались натянутыми вплоть до случая с обвинением дочери (из-за её собственного же признания) в убийстве своего мужа и «по совместительству» любовника матери. Тогда только они поняли, что жить друг без друга не могут, но стало уже слишком поздно. У матери обнаружена последняя стадия рака.

Эта картина не испортила моего отношения к великолепному режиссеру, просто создалось такое ощущение, что Альмодовар делал её без присущего ему всегда задорного вдохновения.

5 из 10

26 января 2013 | 19:17

Элис в конце прошлой серии оказалась на «Аркадии» — корабле, с огромной группой подготовленных для опытов в «Umbrella» людей. Корабль обстреливает авиация, а сама Элис попадает сначала в очередную лабораторию корпорации, а затем попадает в некий научный центр, находящийся на Камчатке в России, где производят симуляторы для исследований.

Пятая часть франшизы представляет из себя уже совсем что-то невообразимое. Малопотребное по причине совершенной нелогичности, убогости, а главное — полного отсутствия сюжета. Хотя бы мало-мальского. Даже то, что было мной написано выше, было отчасти воспроизведено с помощью описания и аннотаций. Потому как вспомнить хотя бы какое-то подобие сценария крайне сложно. Уже вроде бы в предыдущей серии всё решилось — Вескер с помощью шприца сделал Элис (по сути непонятно уже какого клона) «человеком». Здесь она снова то человек — то мутант. В конце опять её превращают в «машину. Действие начинается примерно там же, где окончилась предыдущая серия — на «Аркадии». Затем едва внятным жестом нас отправляют почему-то на Камчатку, где почему-то находится какое-то подводное убежище, в котором создают «симуляторы». Модели городов, людей, обстановки и так далее. Непонятно как, зачем, почему туда спустившись, наши герои стремятся тут же вырваться куда-то наружу. Тут же непонятно откуда появляются знакомые из предыдущей части Дровосеки. И точно так же непонятно куда исчезнувшие. А тут из московского метро оказываются уже где-то в разрушенном американском Капитолии. Он представляет из себя крепость, к которой в очередной раз нападают какие-то миллионы различных зомби — в виде машин, людей, летучих мышей и тому подобное. Заканчивается такими же «громкими» фразами типа «Мы думали это конец. А это только начало». Такие фразы Фрэнк Загарино и Лоренцо Ламас порой произносили в своих бесконечных фильмах 90х об очередном захвате заложников или вирусной инфекции. В каждой из четырех предыдущих серий была какая-то «изюминка», которая запоминалась надолго. Здесь даже не знаю что назвать — пожалуй кроме ломающей грудную клетку Мишель Родригез и вспомнить нечего.

Всё равно это не самый худший фильм с Йовович. Ещё более «компьютеризированный» «Ультрафиолет» всё равно остаётся на самом дне. Там даже грим был компьютерный.

Как? Зачем? Почему? Кто куда и зачем пошёл? Отсутствует самая маленькая доля какого бы то ни было сюжета. Причем тут «Возмездие» в названии картины? От кого и кому воздаётся это возмездие? Или это для пафосного словца? «Рапиды» раздражают ещё больше. А декорации… собственно их нет. Вообще. Такое ощущение, что смотришь наидешевейшую картину ужасов, где всё происходит ночью, а акулы-убийцы (в данном случае мертвецы) нарисованы чуть ли не в Paint. Вся обстановка, интерьер — пол, потолок и стены сделаны графически, словно в фильме «300» Зака Снайдера. Вообще в картине порадовало две вещи: то, что жалкого даже по меркам несерьёзного фильма персонажа Вескера — почти нет. На него действительно без кривой улыбки смотреть просто невозможно. Какой уж там глава Корпорации. И второе — то, что создатели потрудились хоть как-то воссоздать облик Москвы. Хотя бы без ошибок надписи, а не «Руса пошта» как в «Хитмане» и Петроград где-то в районе Екатеринбурга как в «Дне независимости». Хотя с компьютерным моделированием есть просчеты. Я, правда, не москвич, но не думаю, что на станции метро «Арбатская» такие низкие потолки как в фильме — если герой Лютера ростом под два метра поднял бы руку — он точно дотянулся бы до верха.

Есть информация, что Пол Андерсон готовит шестую (!) часть «Обители зла». Я уж думал ЭТО конец здравого смысла. Мне казалось, что дальше падать некуда. И так самый успешный старт экранизации игр скатился ровно в то, что делал в ранние годы небезызвестный Уве Болл. На волне успеха, кстати, от первой великолепной части франшизы. Да и тот уж хоть немного попытался выстроить подобие сюжета в последних фильмах. Здесь нет даже этого. Зато больше половины отзывов российских критиков — положительные. У меня создалось совершенно чёткое мнение об их предвзятости и нечистоплотности. Как можно всерьёз хвалить ЭТО? Это нельзя даже ругать всерьёз.

3 из 10

25 января 2013 | 05:40

Персонаж Райана Гослинга (по-моему его имя не называется) занимается каскадерскими трюками. Ему нравится его соседка — Айрин. Периодически он захаживает к ней в гости. Но вскоре из тюрьмы возвращается её муж и решает завязать. На него наступают серьёзные люди, которые обеспечивали ему покой во время отсидки и требуют за свои услуги 2000 долларов. Водитель решает помочь ему и подписывается на одну рискованную авантюру. Но всё идёт не так — мужчину убивают, а сам Водитель остаётся с кучей чужих денег…

Ох уж эти фестивали! Каннский в данном случае. Действительно говорят — для того чтобы туда попасть нужно не только снять достойный фильм, но и найти достойного продюсера, который будет это дело продвигать. Обиднее всего, если фильм-призёр оказывается совершенно проходным. Вот с фильмом «Драйв» получилась примерно такая же история. Николас Рёфн получил хоть и не главный приз, но статуэтку за режиссуру отхватил. Главный приз на том фестивале получило «Древо жизни» Терренса Малика. Тоже совершенно не идеальная картина.

И вот объясните мне кто-нибудь… Ответьте, пожалуйста на такие вопросы: почему фильм называется «Драйв» и за какие конкретно заслуги Рёфну дали премию как лучшему режиссеру? Как таковых погонь и самого драйва в фильме из ста минут хорошо если десять наберется. В остальном это нечто между мелодрамой, простоватеньким триллером и даже подобием слэшера. Фильм конечно радует кое-чем. Хотя бы игрой Гослинга. Поначалу его чуть ли не клиническая, простите, заторможенность вводила меня в заблуждение. Как же он с такой реакцией каскадёром работает, -думал я. Порадовали глаз постановки тех самых немногочисленных погонь — отсутствуют так нелюбимые мной «монтажные обрезки». Но этого мало для достойного фильма в своём жанре. Саундтрек, вопреки мнению большинства, выбран на мой взгляд совершенно неудачно. Равно как и Кэрри Маллиган в роли Айрин.

Самая захватывающая сцена — вступительная. Та, что до титров. Я даже обрадовался — неужели в таком темпе и будет выдержан весь фильм? Однако на деле оказывается медлительное, размеренное, даже чересчур затянутое произведение. Середина фильма являет собой какую-то драму с элементами боевика. Дальше уже смахивает на фильмы о серийных убийцах: убийца в маске, растаптывание головы. Уже в чистейший трэш пошло кино. И что, простите, при таком раскладе фильм делал на Каннском фестивале?

Если вас интересует не совсем стандартный подход к постановке, неплохие актёры, то этот фильм для Вас. Меня же он не впечатлил совершенно. Никакого драйва как такового и нет.

5 из 10

24 января 2013 | 07:40

Картина как симфония.

Чарльз Спенсер Чаплин. Нуждается ли этот человек в представлении? Надеюсь, что нет. К сожалению сейчас не с такой завидной частотой показывают в канун нового года короткометражки с участием Великого Актёра, но найти DVD с картинами Чаплина сейчас всё же довольно легко.

Бродяга — тёзка своего актёра, создавшего на долгие годы маску, так полюбившуюся зрителям США и всего мира — человека в шляпе и с тростью, с хорошими манерами и добродушным отношением. По сути это очередное полнометражное приключение нашего героя. В фильме нет как такового сюжета. Есть несколько отдельных зарисовок, сквозь которые проходит сюжетная линия. Бродяга Чарли встречает на улице симпатичную слепую цветочницу (В. Черрил). Узнав, что девушка и её родители нуждаются в деньгах, он всеми доступными способами пытается найти нужную сумму.

У картины истинный симфонический настрой. Каждое движение, каждое действие, словно балет, происходит под восхитительную авторскую музыку. Будь то «посиделки» Богача и его спасителя или это может быть потрясающий боксёрский поединок. Безумно смешной, филигранно выстроенный, хотя и трагикомичный, как и вся картина.

Всё, что я делаю — это танец.

(Ч. Чаплин)

Гениальность фильма состоит из многих составляющих. Он стилистически прост. Грамотно выстроен. Общий характер картины — особенно если учесть в какие годы она создавалась — не выглядит не пессимистичным, не «карамельно-лубочным». Рубеж 20-30х гг — Великая Депрессия, тяжелейшее экономическое положение. А Чаплин самыми простыми картинками, несколькими образами смог показать настроение общества — того самого «большого города». Американского, а какого — не важно. Аналогично тому, как он это сделал в следующей своей, принципиально иной, картине «Новые времена». Для меня лично эти две картины являются самыми любимыми в обширном творчестве режиссера. Чего стоит самая первая сцена фильма — открывается памятник «миру и процветанию». На дворе второй год кризиса — на улицах 13 миллионов безработных. Сбрасывается покрывало. На памятнике спит бездомный Чарли.

Чаплин создавал картину целых три года, хотя из них только 8 месяцев (по другим данным 180 дней) непосредственно шли съёмки. Это была самая продолжительная по времени создания картина. Дело было совершенно не в экономических проблемах — на тот момент у режиссера проблем с финансами не стояло. Он бесконечно перемонтировал картину, очень много думал, размышлял, дополнял какие-то эпизоды, наоборот что-то убирал. А главное — очень рисковал, задумав снимать в 1929 году «немую картину». Киноиндустрия на вторую ногу ступала в эру звукового кино и был большой риск значительно потерять интерес зрителей. Напомню, что в тот же 29-й год вышла первая звуковая картина Хичкока. Тем более когда речь шла о выходе картины в январе 1931-го когда «немое» кино снималось от дикого недостатка бюджета. Но ни одна звуковая сцена не заменит тот щемящий финальный титр: «You can see now? -Yes, I can see now»

Дело осложнилось тем, что произошёл крупный конфликт между Чаплином и Вирджинией Черрил, ушедшей со съёмок (опять же в других источниках говорится, что Чаплин сам её выгнал). Через какое-то время, правда, дело вернулось на круги своя и конфликт был исчерпан. Она обладает звездой на Голливудской «Аллее славы», хотя практически нигде не была замечена более в подобных ролях.

Для особых ценителей Чаплина и данного фильма в частности порекомендовал бы найти американское издание на DVD. На нём присутствует также документальный фильм Кевина Браунлоу (кстати, самого известного в Великобритании коллекционера «немого» кино) конца 80-х гг о том, как и какие фрагменты Чаплин редактировал в своей работе. Интересующимся фильм будет крайне полезен.

Смотрите, переживайте, смейтесь и наслаждайтесь восхитительной игрой и пантомимой вечно живого Классика кинематографа.

10 из 10

24 января 2013 | 07:38

Смотрите также:

Все рецензии на фильмы >>
Форум на КиноПоиске >>




 

Поиск друзей на КиноПоиске

узнайте, кто из ваших друзей (из ЖЖ, ВКонтакте, Facebook, Twitter, Mail.ru, Gmail) уже зарегистрирован на КиноПоиске...