всё о любом фильме:

Леоник > Рецензии

 

Рецензии в цифрах
всего рецензий153
суммарный рейтинг3753 / 2190
первая23 февраля 2010
последняя27 марта 2017
в среднем в месяц2
Рейтинг рецензий


 




Подтверждение удаления
Вы можете удалить не более пяти своих рецензий. После удаления этой рецензии у вас останется возможность удалить не более . После удаления этой рецензии у вас останется возможность удалить только еще одну. После удаления этой рецензии вам больше не будет доступна функция удаления рецензий. Вы уже удалили пять своих рецензий. Функция удаления рецензий более недоступна.

Все рецензии (153)

В современном мире многие люди стараются окутать себя аурой благополучия, чтобы скрыть от общества свои переживания и «скелеты в шкафу». Благодаря этому, окружающие могут даже не догадываться, что у человека, особенно такого, как успешный психолог Ринко Тацуми, работающей на телефоне доверия, имеются серьезные проблемы в личной жизни. По иронии судьбы она помогает другим, но не может помочь себе. Её брак превратился в рутину, муж не обращает на неё внимания и постоянно спит в другой комнате, избегая интимной близости, но вместо того, чтобы попытаться заново разжечь огонь страсти, найти общий язык с любимым, Ринко тихо страдает и периодически занимается самоудовлетворением, не подозревая, что в эти моменты ее снимает некий фотограф, решивший необычным способом помочь супругам наладить отношения.

Японский авангардный режиссер Синья Цукамото сделал из «Июньского змея» многослойную неонуарную, эротико-психологическую триллер-драму, усеянную различными символами, одним из которых становится постоянно идущий дождь — привычное дело для Японии в июне. Постановщик считает сезон дождей самым сексуальным временем в году и это недалеко от правды, ведь происходит столкновение двух областей высокого давления (холодного влажного климата и теплого влажного климата), а значит можно вообразить, что они совокупляются и постоянно оргазмируют, орошая своим эйякулятом землю. Это своего рода призыв к тому, чтобы главные герои вновь сблизились и победили засуху в отношениях. Вообще, воды и её образов в картине очень много, хоть выжимай. Порой на экране появляется улитка, символизирующая в Японии духа, именуемого Хозяином воды, а также демонстрируются гортензии, которые являются очень влаголюбивыми растениями и на языке цветов, по одной из трактовок, означают — «Вспомни обо мне», скромность, надежду. Вот и тихая, скромная Ринко, подобно гортензии, хочет как можно чаще увлажняться и чтобы муж вспомнил о ней, обратил внимание, но он предпочитает драить раковину и ванну, причем режиссер делает упор на сливных отверстиях, намекая на то, что мужчина сублимирует, направляя свою сексуальную энергию в иное русло.

В «Июньском змее», как и во многих других работах Цукамото, прослеживается тема научно-технического прогресса и его влияния на людей. Конечно, здесь она не настолько ярко выражена, как в знаменитом «Тэцуо, железный человек», но всё равно имеет значение, потому что некоторые образчики технической мысли играют не последнюю роль в картине, например фотоаппарат, благодаря которому можно вторгнуться в частную жизнь человека, сделав компрометирующие снимки, а затем шантажировать, дав понять, что некто знает его гораздо лучше близких и «видит насквозь». Решив выразить эту мысль, режиссер выполнил весь фильм в серо-голубой гамме, словно снимал на синечувствительную рентгеновскую пленку, чтобы создать ощущение, будто истинная суть главной героини просвечивается через внешнюю оболочку, а также передать атмосферу холодной безысходности и незащищенности от скрытого наблюдения. Отсюда вытекает мотив вуайеризма, который в определенные моменты изображается в психоделической манере. Еще одним ключевым прибором в истории является вибратор, отражающий одиночество и неудовлетворенность Ринко. Ей проще искусственно ублажать себя, чем объясниться с мужем, а всё потому, что развитие технологий привело к значительному упрощению жизни и подавлению природного начала в людях, отдалившему их друг от друга.

Помимо научно-технического прогресса, японского режиссера волнует тема урбанизации, превращающей мегаполисы в самодостаточные организмы, не нуждающиеся в людях, но в «Июньском змее» город служит просто локацией, на деталях и обстановке которой практически не делаются акценты, как, например, в «Токийском кулаке», поскольку внимание в основном сосредоточено на персонажах, их действиях и лицах, снимаемых крупным планом, чтобы каждая эмоция была отчетливо видна. Отлично владея ручной камерой, Цукамото без особого труда передает паническое состояние главной героини в одной из сцен посредством дрожащей съемки. Он показывает её беспомощность, воплощая излюбленный образ многих кинематографистов — психолога с проблемами. Не зря же говорят, что каждому психологу нужен собственный психолог, и для Ринко вместе с мужем таковым становится загадочный фотограф, этакий змей искуситель, который поможет им раскрепоститься, принять себя и заново обрести друг друга, после чего супруги наконец-то сольются в сладострастном акте любви.

27 марта 2017 | 13:13

Стародавние времена. Бедная японская деревня. Мужчина везет на спине пожилую женщину. Это Тацухэй понес свою мать Орин на гору Нараяма. Он не хочет этого делать, но так велит обычай убасутэ, согласно которому пожилых родителей достигших семидесяти лет отправляют на священную гору, где они в голоде и холоде доживают остаток дней, а затем их души отлетают к богам. По сути, это делается для того, чтобы избавиться от лишних ртов, но Орин не переживает, ибо сама уговорила любящего сына так поступить. Для своего возраста она весьма здоровая и работящая женщина, которая даст фору любому молодому, но в ее большой бедной семье ожидается пополнение, и поэтому Орин, всячески показывая, что она уже очень старая (специально выбивает себе часть зубов), идет на самопожертвование, дабы уступить место новому поколению.

«Легенда о Нараяме» Кейсукэ Киноситы представляет собой смесь театра и кино, так как полностью создана в искусственных антуражах павильона, а декорации порой меняются, словно во время спектакля. За счет этого и не только, она разительно отличается от одноименного ремейка, снятого спустя 25 лет Сёхэем Имамурой в абсолютно иной стилистике и манере. В его версии действия разворачиваются в естественных условиях, что подчеркивает связь человека и природы, а движущей силой истории являются Эрос и Танатос. Сделав картину на треть длиннее оригинала, Имамура вставил в сюжет постельные сцены, которые не всегда были уместны, и показал суровый, жестокий мир, где новорожденных мальчиков зачастую убивают, девочек продают или обменивают на соль, а семью, пойманную на воровстве, хоронят заживо. Киносита же больше сосредоточился на обычае, взаимоотношениях между поколениями и художественном оформлении истории, создав в итоге эстетичную, внешне целомудренную, печальную и немного наивную картину, наполненную интересными свето-цветовыми решениями и стилизованную под дзёрури (песенное сказание), благодаря чему гидаю (певец-сказитель) становится полноценным участником событий, но остается за кадром, обеспечивая музыкальное сопровождение и незримо наблюдая за персонажами.

Современному, цивилизованному зрителю происходящее на экране может показаться дикостью, но если задуматься, то станет ясно, что сюжет «Легенды о Нараяме» актуален и по сей день, а убасутэ превратился в своего рода метафору для обозначения дома престарелых, куда «заботливые» дети помещают надоевших стариков. Конечно, так поступает не каждый, ведь все относятся к родителям по-разному и в фильме это удачно подмечено. Одни стараются поскорее избавиться от лишнего рта, даже если тот сопротивляется, а другие хотят оттянуть неизбежный момент, но все равно наступает день, когда им скрепя сердце приходится нести на Нараяму любимого родителя, достойно принявшего свою судьбу. А в это время молодежь в деревне устраивает праздник с песнями и танцами, выказывая тем самым неуважение к старости. Они еще не осознают, что жизнь циклична и в будущем их постигнет та же участь.

Стародавние времена. Бедная японская деревня. Плачущий мужчина, подгоняемый панической мелодией сямисэна, бежит без оглядки. Это Тацухэй. Он выполнил свой долг и теперь страдает, испытывая сильную душевную боль, словно лишился части себя, что недалеко от правды. Утешением ему служит лишь то, что пошел снег — хорошая примета. Значит Орин не мучилась и боги с легкостью приняли ее душу.

16 марта 2017 | 17:32

Зарождение и развитие плода в утробе матери без преувеличения можно назвать чудом, которое необходимо оберегать. Но бывают ситуации, когда по той или иной причине это чудо прерывается посредством аборта. Правильно ли это? Имеет ли женщина моральное право принимать такое решение? Считается ли аборт убийством, или все зависит от срока беременности? Как охарактеризовать аборт, сделанный в связи с обнаружением патологий у еще нерожденного малыша — милосердием и избавлением ребенка от будущих страданий, или же эгоизмом и боязнью родителей не справиться с трудностями? Сложно однозначно ответить на приведенные вопросы, да и в мире нет единого мнения, как нет и художественных фильмов, затрагивающих эту проблему. Поэтому немецкий режиссер Анна Зора Берашед, в чьей стране тема абортов (особенно поздних) вообще является табуированной, решила исправить сложившуюся ситуацию и восполнить сей кинематографический пробел. Серьезно изучив проблему и пообщавшись с медиками, которые охотно шли на контакт, она сняла свой второй полнометражный фильм «24 недели», получивший в 2016 году две награды: приз гильдии немецких артхаусных кинотеатров на Берлинском кинофестивале и приз новому поколению немецких кинодеятелей Студии Гамбург за лучшую режиссуру.

Если в своей дебютной полнометражной работе «Две матери» Берашед рассказала историю о лесбийской паре, которая сталкивается с трудностями стремясь завести ребенка, то в «24 неделях» постановщица пошла от обратного, от дарения жизни к забиранию, уделив внимание поздним абортам. На примере успешной стендап-комедиантки Астрид (Юлия Йенч), готовящейся к рождению второго ребенка и на шестом месяце беременности узнающей, что у малыша обнаружены синдром Дауна и серьезные проблемы с сердцем, она показывает возможные варианты действий и то, как тяжело и мучительно делать выбор в такой ситуации, не понимая при этом, что будет правильнее. Причем Астрид предстоит сделать выбор в одиночку, так как даже любимый муж Маркус (Бьярне Медел) не может до конца ее понять, что неудивительно, ведь мужчинам не дано ощутить и познать все то, что испытывает женщина, носящая под сердцем ребенка. Происходящее осложняется еще и тем, что за жизнью комедиантки внимательно следит публика, которая не прощает ошибок своим любимцам.

«24 недели» можно назвать артхаусной драмой с элементами документальности, потому что в ней снялись настоящие врачи, известные в Германии стендап-комики, люди с синдромом Дауна, а также показаны новорожденные дети, помещенные в специальные боксы для послеоперационной реабилитации. Соответственно, в фильме фигурирует и настоящая клиника. Остальные же роли, относящиеся к главным героям, их семье, родственникам и друзьям, исполнили профессиональные актеры, главной звездой среди которых является Юлия Йенч, превосходно сыгравшая Астрид и весьма убедительно передавшая всю ее боль, душевные терзания и растерянность. В течение фильма она несколько раз пристально смотрит в камеру, словно просит помощи у зрителей, или хочет, чтобы они лучше прочувствовали ситуацию.

Конечно, картина была бы гораздо мощнее и пронзительнее, если бы у Астрид и Маркуса не было до этого ребенка и им бы пришлось выбирать между сохранением беременности и абортом, рискуя больше никогда не иметь детей, но Анна Зора Берашед решила не усугублять историю. Для создания высокого уровня драматизма оказалось вполне достаточно того, что персонажи и так переживают, испытывая при этом давление со стороны окружающих. И не стоит забывать о маленькой дочери (первый ребенок), которая тоже переживает, не понимая, что происходит. К тому же, для пущей проникновенности и создания атмосферы сопричастности, постановщица изредка демонстрирует развивающуюся жизнь в утробе матери, превращая тем самым фильм в нечто очень личное и интимное. А общее настроение истории поддерживается за счет грустной музыки и изящной операторской работы с интересными находками.

Не побоявшись затронуть довольно щекотливую тему, Берашед со знанием дела создала достойную, актуальную картину, которая призвана не оставить равнодушным даже самого черствого зрителя, заставить людей задуматься и вызвать дискуссию.

7 марта 2017 | 12:07

По пустынной австралийской дороге мчится неуправляемый автомобиль, в багажнике которого лежит без сознания связанный мужчина. Что произошло? Как он туда попал? Кто сделал это с ним? Ответы на эти вопросы одному режиссеру известны, но он держит их при себе, предпочитая нагнать побольше интриги. Мужчина приходит в себя и на удивление быстро сориентировавшись в ситуации, выбирается из багажника, а затем пытается пробраться в кабину, чтобы остановить машину. Зрителю же остается с легким волнением наблюдать за самоспасением главного героя и ждать, чем все закончится.

По большому счету, короткометражка «Счастливчик» Нэша Эдгертона представляет собой демонстрацию его каскадерских способностей с напряженной, зловещей музыкой Слипи Джексона вначале, заставляющей предположить, что на экране будет происходить нечто схожее с «Пилой» и неожиданным твистом в конце, превращающим название картины в издевку, но не затмевающим общую сюжетную простоту. Видимо, это была разминка перед следующей работой («Паук»), которую Эдгертон снял спустя два года, проявив свою сценарную состоятельность и остроумие уже в полной мере.

Если же заняться поиском глубинного смысла, то «Счастливчика» можно воспринять как метафору. Машина, словно судьба, несет человека по дороге жизни и ему остается только довериться и плыть по течению, или выпрыгнуть, выбрав другой путь, но он хочет обуздать судьбу, управлять ей. А стоит ли?

1 марта 2017 | 13:07

Добро пожаловать в Бюллербю — крошечную шведскую деревушку, состоящую всего из трех домов. В одном доме живет девочка Лиса с двумя братьями по имени Лассе и Боссе, в другом живет мальчик Улле, а в третьем — сестры Анна и Бритта. Больше детей в деревне нет, если не считать маленькую сестренку Улле — Черстин. В Бюллербю царят тишь да гладь, и ничего особенного там не происходит, но для ребят это место является самым лучшим на Земле, так как их беззаботная жизнь наполнена впечатлениями, событиями и развлечениями, которые они сами же и придумывают.

«Дети из Бюллербю» был создан шведским режиссером Лассе Халльстремом в 1986 году, в конце доголливудского периода его карьеры. Эта красочная семейная картина по большому счету бессюжетна, хоть и рассказывает о деревенских буднях шестерых детей и их дружбе. Зато она доставляет эстетическое удовольствие за счет живописной природы, которую так удачно запечатлел оператор Йенс Фишер. Благодаря этому, картина окружена неким сказочным ореолом.

Фильм снят по книжной трилогии известной шведской писательницы Астрид Линдгрен, детство которой прошло в подобной деревне, находящейся в провинции Смоланд. Она же выступила в качестве сценариста. В результате адаптации в ленту вошли некоторые главы из первой и второй книги, а также одна история из третьей. Из первой книги в фильм не попали, например глава про земляничные полянки и пещеры, проделанные в сене, и сцена с переодеванием. К тому же, была видоизменена сцена с котятами, опущен рассказ о детстве дедушки Анны и Бритты, а Черстин оказалась введена в повествование с самого начала, хотя в оригинале она появляется на свет ближе к концу второй книги. И если первоисточник полностью написан от лица Лисы, то в фильме ее закадровая речь звучит от случая к случаю.

Несмотря на то, что в «Детях из Бюллербю» минимум смысла, а мораль на уровне «надо слушаться родителей и заботиться о животных», картина все же вызывает определенный интерес, точнее ностальгию по тем временам, когда жизнь еще не была компьютеризированной, дети много времени проводили на улице, а не в виртуальной реальности и летом с удовольствием ездили в деревню к бабушке, или на дачу, чтобы подышать свежим воздухом, покупаться в речке, слиться с природой одним словом. К сожалению, эта пора прошла, но у каждого взрослого человека навсегда останется в сердце своя Бюллербю.

5 февраля 2017 | 07:26

Стоит сразу заметить, что появление «Притяжения» стало для России, безусловно, большим и важным событием, можно даже сказать грандиозным. Это в Голливуде фильмы про инопланетные вторжения поставлены на поток и уже превратились обыденное дело, а для отечественного кинематографа сей жанровый сегмент является новым и неизведанным. Да, в 2011 году на Россию уже нападали пришельцы в фильме «Фантом», но то был русско-американский (больше американский) проект, сделанный далеко не самым лучшим образом, а «Притяжение» абсолютно отечественное творение, не идеальное, конечно, но весьма достойное, качественное и масштабное.

Поначалу фильм смотрится с определенной долей скепсиса, так как ожидаешь, что Федор Бондарчук создал «сборную солянку» из голливудских ингредиентов, но вскоре становится понятно, что это вполне самостоятельная история, которая пересекается только с «Районом N9» и «Прибытием», хотя в случае со вторым имеет место совпадение, ведь картина Вильнева вышла не так давно. Бондарчука больше интересуют человеческие взаимоотношения и их поведение при встрече с неизвестным, нежели экшн и боестолкновения. Соответственно фильм развивается в русле социальной фантастики, а боевик остается на сладкое. Такой подход двояко сказывается на картине. С одной стороны поднимаются важные вопросы и затрагиваются серьезные темы, а с другой — повествование иногда провисает из-за недостаточной динамичности. Это самый главный и, по большому счету, единственный весомый недочет создателей, который можно и простить, учитывая, что они постарались сделать (и сделали) кино со смыслом, где есть над чем подумать, а не просто эффектную, красивую безделушку-аттракцион.

«Притяжение» без излишнего морализаторства дает понять, что человек должен быть менее агрессивным и терпимым по отношению к «иным», будь то пришельцы, или люди другой национальности. Мы еще не готовы контактировать с инопланетными цивилизациями, так как боимся того, чего не понимаем. Да и о каких внеземных связях может идти речь, если мы между собой, в рамках Земли, не можем найти общий язык. Человечество методично саморазрушается, но точка невозварата еще не пройдена. Поэтому, у нас еще есть возможность изменить себя и Мир к лучшему. Кроме того, в картине поднимается проблема детско-родительских отношений, а также присутствует любовная линия.

Что касается технико-художественных составляющих, то спецэффекты выполнены на высоком уровне и выглядят довольно убедительно, а музыкальное сопровождение гармонично вплетено в повествование, создавая нужную атмосферу. Радует, что оно адекватно использовалось, без злоупотреблений. Просто в российском кино почему-то так повелось, что музыка зачастую становится главенствующим элементом, заглушающим историю, из-за чего местами не слышно слов персонажей. А иногда возникает ощущение, что смотришь не фильм, а клип какого-то исполнителя. В «Притяжении» же музыка звучит дозировано и по делу.

Как уже было сказано выше, новое кино Бондарчука неидеально и если захотеть, то, конечно, найдется к чему придраться. Например, можно уличить фильм в рекламе известной марки чипсов, антитабачной пропаганде, или удивиться нескончаемо летающему пеплу, которому уже давно следовало бы улечься и еще парочке алогичных моментов, но это все мелочи. Лучше уж обратить внимание на саму историю, на ее посыл, на то, как в ней здорово существуют актеры, оценить удачное сплетение драмы и юмора.

Давайте все-таки порадуемся, что российский кинематограф осваивает новые горизонты и развивается, а не находится в стагнации.

26 января 2017 | 16:44

Люди — загадочные существа. Их поведение порой непонятно, а поступки странны. К тому же, они любят все усложнять. Яркий тому пример — французский фильм «Мои занятия борьбой», снятый Жаком Дуайоном и рассказывающий отнюдь не о спортивных единоборствах. В широком смысле, речь там идет о семейных и сексуальных взаимоотношениях, а конкретно о молодой девушке Элле, приехавшей в родную деревню после смерти отца, чтобы поделить с родственниками наследство и местном жителе Луи, который занимается сельским хозяйством и увлекается писательством. Когда главные герои познакомились, между ними пробежала искра, и возникло взаимное влечение, но вместо того, чтобы просто перейти в горизонталь, слившись во фрикционном танце, они стали бороться при каждой встрече, якобы в тренировочных целях. С помощью таких тренировок, Луи помогал Элле стать более уверенной и напористой, чтобы она смогла отвоевать обещанное ей отцом пианино. Но на самом деле это была затяжная и изощренная прелюдия…

Дуайон создал артхаусную, минималистичную и в некотором роде камерную драму, построенную на разговорах, физических противостояниях и сексе, происходящем ближе к концу. В картине фигурируют всего пять персонажей, трем из которых (сестра Эллы, ее подруга и настройщик пианино) уделено очень мало экранного времени, что превращает их в мимолетные, фоновые фигуры. Основное внимание сосредоточенно на главных героях, взаимоотношения которых развиваются в естественных условиях, среди живописной природы и практически без музыкального сопровождения: лишь в начале и финале игриво звучит пианино. Таким образом, режиссер сделал художественную историю более реалистичной, но за счет постоянных разговоров, не обладающих глубоким смыслом и хождений вокруг да около, она стала еще и пресной. В итоге, весь интерес зрителя сводится к тому, чтобы дождаться неминуемого соития, ради которого все затевалось. Однако, это не единственная сюжетная линия в фильме, так как присутствует и другая, менее выраженная, связанная с Эллой и ее семьей. Она подталкивает историю, выступая в роли адвоката, призванного оправдать длительную борьбу персонажей.

Вообще, режиссер затронул актуальную проблему — деградация института семьи. В фильме она выражается в дележке наследства. Пока родители живы, никому до них нет дела, но стоит им умереть, оставив после себя нажитое годами имущество, как тут же, в надежде его заполучить, слетаются родственники, словно мухи на варенье. Каждый, как заправский шакал, стремится урвать кусок побольше. Братья и сестры не хотят уступать друг другу даже те вещи, которые им самим не особо-то нужны. А все потому, что жадность и цинизм уже давно опрокинули взаимоуважение и любовь на лопатки. Нет любви и между главными героями. Конечно, Луи и Элла отлично подходят друг другу, как например, подходили Ли Холлоуэй и мистер Грей в «Секретарше». Но если в картине Шейнберга персонажей объединяла не только страсть к БДСМ, но и нежные чувства, то у Дуайона все гораздо низменней. Это подтверждается первым половым актом, произошедшим в грязи, что символизирует собой непотребность, порочность и отсутствие любви и словами Эллы — «Я хочу трахаться. Я хочу трахаться. Я хочу трахаться».

11 января 2017 | 09:45

Наверняка каждый, кто хотя бы раз страдал от похмелья после бурной вечеринки, мечтал, чтобы пришел добрый доктор и дал волшебную таблетку, которая бы взбодрила, наполнила организм жизненной силой, мгновенно избавив от неприятных ощущений и дискомфорта, словно и не было никакой пьянки. Видимо, подобная мечта посетила и режиссера Григория Константинопольского, раз он решил воплотить ее хотя бы в рамках кино, сняв мини-сериал «Пьяная фирма». Осталось только узнать, что из этого вышло.

А вышла довольно странная, немного сумасшедшая трагикомедия с элементами социальной сатиры, памфлета на Ельцина, черного юмора, мюзикла, причем спонтанного, ситкома (закадровый смех в одной из серий) и гротеска — натуральный театр абсурда. Такая мешанина значительно снижает интерес к происходящему и общее впечатление от картины, что естественно не идет ей на пользу. Ситуацию спасает лишь развязка и звездный состав актеров во главе с запоминающимся трио: Михаилом Ефремовым, органично вписавшимся в роль охранника-алкоголика и по совместительству гениального врача, выводящего людей из запоя с помощью самодельных чудо-препаратов, Иваном Макаревичем в роли организатора вечеринок и кутилы с говорящей фамилией Веселых и Елизаветой Боярской, сыгравшей главврача. Ее игра и внешний облик натолкнули на мысль, что она хорошо смотрелась бы в роли Харли Квинн.

Сложно сказать, хотели того создатели или нет, но «Пьяная фирма» похожа на «Во все тяжкие», с той лишь разницей, что вместо наркотиков фигурирует более актуальная и узнаваемая для русского человека тема алкоголя. А герои Ефремова и Макаревича этакие Мистер Уайт и Джесси Пинкман отечественного розлива.

Помимо основной идеи, в картине затрагивается тема беззакония, ответственности-безответственности, раскаяния, сломанной жизни и мести. Причем каждая из них, словно кусочки пазла, своевременно вплетается в канву истории, образуя цельный продукт с открытым финалом. Но за счет чересчур изощренной постановочной манеры, все это смазывается и затмевается зеленым змием, которого создатели вроде бы высмеивают, но недостаточно убедительно.

В завершении хотелось бы написать о вреде чрезмерного употребления алкоголя, но не буду. Вы и так это знаете, чай не маленькие.

27 декабря 2016 | 17:45

Когда-то Говард был успешным рекламщиком и счастливым человеком, но после смерти дочери его мир рухнул, словно доминошный домик. Он превратился в нелюдимого затворника, впав в глубокую депрессию, от которой не избавила ни психотерапия, ни шаманские обряды. Говарду тяжело жить, так как смириться с утратой он не может. Поэтому, чтобы хоть как-то справиться с болью, он начинает взывать к Вселенной посредством критических писем в адрес трех абстрактных понятий — Смерти, Времени и Любви. Разумеется, он и представить не мог, что однажды абстракции материализуются и выйдут с ним на контакт, не без помощи креативных друзей конечно.

«Призрачная красота» представляет собой многогранную экзистенциально-психологическую драму, окутанную душевностью, трогательностью и печалью. Режиссер Дэвид Фрэнкел знает толк в создании сентиментальной атмосферы, доказав это еще в 2008 году, на примере «Марли и я». Плюс ко всему, картина наполнена философскими размышлениями касательно жизни, смерти, времени и любви, органично вплетенными в канву истории, но при этом не претендующими на звание революционных откровений и новаторских взглядов. Режиссер, основываясь на сценарии Аллана Лоба, в самом начале выводит формулу, согласно которой всех людей объединяют три вещи — поиск любви, нехватка времени и боязнь смерти. Затем, на протяжении всей истории постановщик переосмысливает сформулированные тезисы, приводя контраргументы, благодаря чему вырисовывается иная картина мира: любовь есть жизнь и ее не надо искать, потому что она находится в нас и вокруг нас; время бесконечно и всеобъемлюще, но люди неправильно им распоряжаются, тратят впустую, думают, что оно ушло и ничего уже нельзя изменить, однако это не так; смерть нужно принимать как данность, а не бояться ее. Конечно, тяжело пережить потерю ребенка, но лучше отпустить боль и жить дальше, оставив в душе лишь светлые чувства, ведь пока мы помним и любим ушедших, они живы в наших сердцах. Эти и другие мысли зашифрованы не только в главной сюжетной линии, но и в ряде побочных, связанных с друзьями Говарда, у которых тоже хватает проблем.

Картина также может похвастаться превосходным актерским ансамблем, состоящим из Уилла Смита, Эдварда Нортона, Кейт Уинслет, Майкла Пеньи, Хелен Миррен, Киры Найтли, Наоми Харрис и Джейкоба Латимора. Последнему несказанно повезло оказаться в такой звездной компании, возглавляемой Уиллом Смитом, которому досталась тяжелая роль сломленного отца, находящегося на протяжении первых сорока минут в состоянии немого отчаяния на грани эмоционального взрыва. На этом плюсы «Призрачной красоты» не заканчиваются, так как в ней еще присутствует неожиданная развязка и любопытная концовка, придающая картине сказочный окрас.

Единственное, за что можно пожурить фильм, так это за некоторую манипулятивность и чрезмерное стремление создателей надавить на слезные железы зрителей.

15 декабря 2016 | 18:24

Ни для кого не секрет, что женщины живут дольше мужчин. В чем же причина такой несправедливости? Возможно, все дело в мужском образе жизни: алкоголь, курение, неправильное питание, стрессы, подавление эмоций и переживаний, авантюризм, чрезмерные физические нагрузки, да мало ли что еще. А может такова воля матушки природы, кто знает? Знает Ольга, героиня «Теории тигра». По ее мнению, мужчины стремятся к саморазрушению, представляя собой неотесанных болванчиков ничего не смыслящих в жизни, или слепых котят, за которыми нужен глаз да глаз. Поэтому, представительницы слабого пола созданы для того, чтобы наставлять их на путь истинный. Женщины, как хранительницы домашнего очага, должны контролировать своих мужей, заботиться о них, холить и лелеять, ограничивать свободу, думать и принимать решения за двоих. Такая позиция неудивительна, ведь в роду Ольги на протяжении трех поколений царит матриархат. Казалось бы, мужчины в этой семье должны быть счастливыми и беззаботными, но нет. Шестидесятилетний ветеринар Ян Бергер устал от бабьего ига. Понимая, что не живет, а существует, он чувствует себя неполноценным и угнетенным и из-за этого впадает в депрессию, которая усугубляется кончиной тестя, находившегося в аналогичной ситуации и желавшего быть кремированным, когда придет время, а затем развеянным, чтобы хоть после смерти обрести свободу. Ян осознает, что дальше так продолжаться не может, придумывает неординарный способ отделаться от опеки жены и отправляется в путешествие…

Не прибегая к особенным киноязыковым средствам, чех Радек Байгар, для которого «Теория тигра» стала режиссерским дебютом, создал любопытную, в некотором роде экзистенциальную трагикомедию о вечной проблеме взаимоотношений полов, вызывающей неподдельный интерес. Правда, за счет медленного темпа и некоторой вялости, картина не цепляет зрителя должным образом, заставляя его местами скучать, но смысловая нагрузка все компенсирует. Дело в том, что в современном обществе уже давно наметилась тенденция к подкаблучничеству, гендерные роли изменились, женщины стали сильными и независимыми, а мужчины наоборот расслабились, обабились и по большей части превратились в своего рода психологических кастратов. Конечно, картина слишком локальна, чтобы отразить ситуацию в целом, но это не делает ее менее актуальной. Режиссер на протяжении всего действа стремится разными способами донести, что отношения должны строиться на равноправии, а ограничение свободы не есть хорошо, ведь каждый человек имеет право на личное пространство, вставляя в историю дилемму по поводу праха тестя, то заводя разговор о кастрации, то акцентируя внимание на разбившейся банке с огурцами, символизирующей избавление от рамок, или просто демонстрируя красоту манящей природы посредством разнообразных общих планов, снятых оператором Мартином Саха на земле и с высоты птичьего полета. Кроме того, Байгар попутно высмеивает те семьи, в которых люди живут друг с другом через силу, не разводясь из-за наличия детей, или потому что жалко партнера. Лучше вовремя разойтись, как в море корабли, чем превращать брак в садомазохизм и спустя 40 лет корить себя за неправильный выбор и потраченные в пустую годы.

«Теория тигра» отдаленно напоминает «Невероятную жизнь Уолтера Митти» Бена Стиллера и «Путешествие Гектора в поисках счастья» Питера Челсома, по крайней мере, в плане затрагиваемых тем: поиск себя, счастья, свобода, умение радоваться жизни, взаимоотношения полов. Значительное же различие в том, что фильм Байгара приземленный, более скромный и менее масштабный, так как главный герой не покидает пределов Чехии, а основной упор делается на семью. Помимо жизни самого Яна, в картине фигурируют сюжетные линии его детей — дочери и сына, у которых тоже хватает проблем. В общем, режиссер, стараясь сохранять нейтралитет, показывает, что даже если в семье полно проблем и противоречий, всегда можно найти золотую середину и все будут счастливы, ну или почти все…

29 ноября 2016 | 12:01

Смотрите также:

Все рецензии на фильмы >>
Форум на КиноПоиске >>




 

Поиск друзей на КиноПоиске

узнайте, кто из ваших друзей (из ЖЖ, ВКонтакте, Facebook, Twitter, Mail.ru, Gmail) уже зарегистрирован на КиноПоиске...