всё о любом фильме:

Зрительский взгляд

Каждый день посетители нашего сайта публикуют сотни рецензий на отсмотренные фильмы — восхищаются, критикуют, ругают, ненавидят...

Рецензии пользователей помогают ответить на извечный вопрос — смотреть этот фильм или нет. Читайте и делайте свой выбор!

Рецензии (628111)

 

Новости (343594)

 

Трейлеры (136748)




Все жанры
Боевик
Вестерн
Военный
Детектив
Документальный
Драма
Комедия
Короткометражка
Криминал
Мелодрама
Музыка
Мультфильм
Мюзикл
Приключения
Семейный
Триллер
Ужасы
Фантастика
Фэнтези

«Гарри Поттер» — произведение в какой-то степени удивительное: мало какие книги для детей и подростков породили такую волну… даже не подражательств, их-то как раз у любой популярной детской серии навалом, но — переосмыслений, очевидных отсылок, вдохновений на концептуально схожие, но идейно другие сюжеты, и так далее. Нечто подобное было со «Звёздными войнами», «Властелином колец» и другими произведениями с более старшей ЦА — и это важное уточнение: можно много спорить на тему глубины месседжа и художественной составляющей «Звёздных войн», но очевидно, что даже самый первый фильм был рассчитан на немного иную аудиторию, чем первая же книга «Гарри Поттера»; как минимум более старшую по возрасту и способную купить себе билет в кино.

«Академия ведьмочек» — не такое очевидное детище «поттерианы», как бесконечные «тани гроттер» или тем более «Дети против волшебников»: в конце концов, идея волшебной школы — не изобретение Джоан Роулинг, о чём любезно напоминают фанаты книги «Самая плохая ведьма». Это так, но «Гарри Поттер» имеет очень узнаваемый образный ряд, который, с одной стороны, легко воспроизвести, с другой — всё равно является специфически роулинговским.

Короткометражка «Академия ведьмочек», в сущности, не очень-то про академию. Она про мечту — такую сильную, способную преодолеть неуклюжесть, неорганизованность и откровенную бесталанность. Обучение, впрочем, тоже присутствует, но поскольку-постольку: в сущности, я сейчас не смогу вспомнить ни одного аниме с героями-школьниками, где важное место в повествовании уделялось бы учёбе: просто иногда герои как будто бы случайно оказываются на уроке, и это служит завязкой для некой сюжетной коллизии — на одну-единственную сцену или же серию, в зависимости от жанра и сценарной задачи. «Академия ведьмочек» в этом плане ничем принципиальным от того же «Розарио+Вампир» не отличается — за исключением, пожалуй, центрального конфликта, действительно небанального для произведений такого рода. Девочка Акко хочет научиться магии, это её главная мечта, но она под магией подразумевает фейерверки и фокусы, которые она видела ещё в детстве на шоу-представлении; однако сама школа, да и вредная аристократичная однокурсница Диана, уверены, что магия — это нечто большее, чем яркие пыпыщ-взрывы. Увы, в коротком метре подобную задачу разрешить не декламативно нельзя; но, с другой стороны, «Академия ведьмочек» в первую очередь весёлая школьная адвенчура про волшебных девочек, а не философский спор на тему серьёзного отношения к собственным мечтам и критическом взгляде на природу магии.

Да и вообще главная заслуга «Академии» не сюжет, простенький и незамысловатый; «Академия» безумно хороша тем, как она выглядит. Что не говори, хорошая анимация для аниме редкость (по ряду причин, в основном экономическим, но не суть), однако метраж «Академии» позволил в неё как следует вложиться — и, ей-богу, они не прогадали! Одна лишь сцена пробежки по башне от дракона чего стоит — а ведь там ещё и полёты есть, и сражения, и изящно решённые бытовые сцены! Ну и выразительные характеры персонажей Масахико Отсуки чего стоят: конечно, дизайны — это именно то, что продолжает славить аниме-индустрию даже в эпоху её постепенного умирания, но, на самом деле, это действительно сложно — сделать выразительных, обаятельных и разнообразных женских персонажей тайтла про некую магическую школу. Вот кто бы этой истиной с создателями «Винкс» поделился, а…

Честно говоря, не очень представляю, как должна выглядеть «Академия ведьмочек» в формате сериала. Нет, само собой, идея и завязка рассчитаны на гораздо более глобальную и длительную историю, чем мультфильм минут на двадцать, но — не скажется ли смена формата на качестве анимации?..

Пожалуй, не посмотришь — не узнаешь.

21 марта 2017 | 13:01

Для начала скажу, что отношение у меня к Дисней и Пиксару у меня неоднозначное. Если раньше у студии было больше качественных мультфильмов, то с началом 21 века всё изменилось. После в целом неплохого, но «слишком американского» «Не бей копытом!» и вышедшего сразу после него отстойного «Цыплёнка Цыпы» с уродливыми персонажами для меня Дисней и Пиксар «умерли». И теперь они создают(на мой взгляд) только «Среднячок», либо «Мусор».

Но такое правило распространилось только на полнометражные мультфильмы и мультсериалы. На короткометражки это не распростроняется.

Этот мультик один из немногих на «птичью» тематику, которому я поставлю высокую оценку. Помимо реалистичной графики и милых птичек-зуйков тут есть и реализм «Законов Джунглей»(самостоятельность, одни животные служат пищей другим животным, страх перед неизвестностью и т. д.) и хорошая мораль(Преодоление своих страхов будет полезна тебе, твоим родителям и возможно окружающим). И птицы здесь выглядят очень даже пропорционально, а не как «толстячки» или «головастики» с крохотными крыльями.

Хотя в современных короткометражных мультфильмах (в том числе и в этом) нет актёров озвучки, также там(в основном) не бывает жестокости и пошлости(за редким исключением). Но реализм в них все же не редкость. Но этот мультик можно смотреть в любом возрасте. Дети будут с интересом наблюдать за птенчиком и его мамой и получат долю позитива и хорошую мораль. Поэтому оценка высокая.

10 из 10

21 марта 2017 | 09:08

Короткометражная картина Фёдора Бондарчука представляет собой монолог Анны Михалковой на тему отношений с двумя мужчинами, сидящими в этот момент напротив неё. Каждая малейшая деталь в поведении всех троих в фильме, безусловно, играет определённую роль, что помогает нам понять и «прочитать» этих людей.

Если кратко описывать монолог героини, то можно выделить, что основная его суть заключается в том, что женщина рассказывает, по какой причине не может отказаться ни от одного из мужчин. Если честно, то данный разговор не слишком приближен к реальности. Больше чем уверен, что ни один уважающий и ценящий себя мужчина не сядет выслушивать то, по какой причине его «соперник» интересен даме сердца, ведь это как-никак принижает достоинство мужчины. Обоих мужчин. Но в фильме это представлено возможным для того, что бы сравнить поведение женщины и мужчины, перенося на события реальной жизни.

Можно так же заметить на протяжении всего фильма, что мужчины довольно робки и не очень решительны, а женщина как будто бы доминирует над ними, ведя себя по отношению к обоим довольно эгоистично. Ей будет трудно понять, что чувствуют «соперники» мужчины, ибо она сама не находилась в такой ситуации. Для неё все, кажется, просто и легко, она никого не выбирает, и её всё устраивает. Мне кажется, чаще случаются ситуации, когда мужчина не может выбрать между двумя женщинами, нежели наоборот. Картина как раз таки показывает, как нелепо и странно выглядит такой «выбор» со стороны. В идеале, после всего выше сказанного за столом, всем троим следует разойтись по-хорошему и строить свои судьбы порознь, чтобы не испытывать неловкости и не терять чувство собственного достоинства.

Каждый, посмотрев этот фильм, делает свои выводы и определённо видит в картине особый смысл. Для меня же это высмеивание подобных нелепых жизненных ситуаций, возникающих после измены. Выводы, определённо, должны быть сделаны.

С точки зрения актёрской игры, это, безусловно, десятка. Монолог Анны заставляет верить во всё то, что она говорит, заставляет прочувствовать атмосферу, когда человек пытается всеми силами и как можно проще объяснить, что чувствует. Мимика и жесты Евгения Стычкина и Алексея Барабаша передают куда больше эмоций, чем тысяча слов. Реакции мужчин ясны, взгляды искренни и чисты, настроение картины передано полностью.

20 марта 2017 | 23:29

Привлекает в этом, если можно так выразиться, фильме крайне экстравагантное название. Такое даже не запомнишь с первого раза. Ну и, конечно, интересно познакомиться с творчеством Бена Аффлека в качестве режиссера.

Но после просмотра этого недоразумения возникает вопрос: «Как?!» Как будущий Бэтмен мог снять такую ересь? Неудивительно, что он всегда грустный на фотографиях, с таким-то шабашем в голове.

И, тем не менее, я разберу все по порядку. Во-первых, сюжет: мысль в целом интересная, этакий облом горе-режиссера, тут тебе и черный юмор есть, и реалии прохождения кастингов, и над лицами нетрадиционной ориентации посмеяться можно, и даже над теми, кто смеется над ними. Но в итоге мы видим ужасно пошлое нагромождение событий с едва отслеживаемой художественной линией.

Во-вторых, невероятное количество нецензурных слов. Слава Богу, я смотрела в наушниках и этого безобразия не слышала моя мама. Тут нужно было выбрать одно из двух: либо маты убрать, либо название не таким провокационным сделать, а то так третьесортное кино вышло. Радует только то, что кошмарные режиссерские зарисовки не помешали Бену Аффлеку стать хорошим актером.

2 из 10

Один балл за то, что этот фильм отнял лишь 15 минут моей жизни (хотя нет, еще на рецензию пару минут ушло), и еще один за симпатичных режиссеров по обе стороны экрана.

20 марта 2017 | 22:07

Из нескольких просмотренных мною картин Майи Дерен больше всего зацепила вот эта скромная короткометражка «На суше», несколько затерявшаяся в тени «Послеполуденных сетей». Блестящий пример сюрреализма в кинематографе, виртуозно снятый арт-объект. Что может быть поэтичнее игры в шахматы на залитом солнцем пляже несколькими девушками и Майи с развевающимися на ветру кудряшками?.. В исполнении Дерен — практически ничего.

Фильм немой. Но хочу сказать, что на фильмы Дерен замечательно ложится музыка Бадаламенти (кинокомпозитор, работавший с режиссером-сюрреалистом Линчем и не только). Лично я смотрел «На суше» с двумя подряд песенками из фильма «Малхолланд Драйв» — Sixteen Reasons Конни Стивенс и I`ve Told Every Little Star Линды Скотт. А также — Dwarfland/Love Theme — Angelo Badalamenti. Советую попробовать, получается любопытно.

Более всего — «На суше» напоминает сон Майи, ретранслированный посредством кинопроектора прямиком из ее сознания на белое полотно экрана. Ощущение от просмотра именно такое — Lullaby Land . Майя предстает в образе чего-то первородного, истинно природного, не вписывающейся в формацию современного ей общества. Фильмы Майи также не вписываются в формат кинематографа тех лет.

Все это очень красиво. Буду пересматривать.

20 марта 2017 | 20:56

Сериал «Доктор Артхаус» — безногий врач-мизантроп лечит труп сантехника и находит смысл жизни, говоря в пустой комнате с эхом.

- Почему на экране танцуют фиолетовые коты, а за кадром кто-то блюёт? Что это?

- Тише! Хватит ворчать. Это артхаус, им принято восторгаться.

~ диалог непосвящённого и ценителя


Есть такой кинофильмец I, Zombie: The Chronicles of Pain, «Я — зомби: Хроники боли») (1998)" — низкобюджетный независимый английский фильм ужасов о трагической судьбе человека, ставшего зомби. В качестве сценариста, продюсера, режиссёра, автора музыки и актёра в эпизодической роли выступает один человек — Эндрю Паркинсон. Картина затрагивает как проблемы человеческого одиночества, так и безразличия общества к судьбе без вести пропавших членов общества. Вместе с тем снят фильм в трэш-манере и изобилует кровавыми сценами».

Во всяком случае так о нём сказано в известной энциклопедии. Так вот. Я зомби… фильм для всех. Za hora kaiki gekijo: Kaiki! Shinin shojo это Я зомби… тян эдишн. Тоже малобюджетно, гипертрофированно трешово и ну ооочень японское. Здесь взяли самые надоедливые штампы именно дальневосточного кино от молчаливости главных героев, до буддистских символов реинкарнации, облекли всё это колоритную монохромную оболочку и вуаля. Готово.

Фильм получился во первых весенним, во-вторых японским, в третьих … девичьим.

Как бы не складывалась жизнь, но закончится она смертью. А что есть смерть? Это начало новой жизни. При этом если новая жизнь — то первая ассоциация, приходящая на ум — весна, а самая яркая и позитивная ассоциация с весной — яркий цветок с большим бутоном.

Японцы (и Япония) в классических клише тот ещё народец… это отрывистый дискретный язык с эмоциями без полутонов, импульсивное поведение и дикая смесь эроса и тонатоса с преобладанием последнего. Здешние герои нарочито двухмерны, примитивны ходульны и архетипичны в рамках популярных стереотипов.

Что касаемо девичьего то … ну что может сказать о девичьем мужик на пятом десятке, кроме набора штампов, которых впрочем в фильме столько, что удивительно как столько шаблонов уместилось в таком относительно скромном хронометраже.

По хорошему тут надо ставить что-то из серии один/два и закрывать лавочку. НО. Но не поставлю. Ибо находки есть и именно за счёт этого арт-хаусного читерства кое-как, но запихал это мракобесие в себя.

Во-первых, идея разделить мир живых и не живых по цветовой гамме. С точки зрения канонов мистики у живого есть три основных качества — объём, движение и цвет. То есть зомби имеет форму, может двигаться, но его мир чёрно-белый, а значит он НЕ живой.

Вторая находка это не живой, по сути, цветок — даёт жизнь условно-живой деве.

Третье. Жить. Жить любой ценой, даже ценой смерти. И вот именно эта тяга к жизни и привела к тому, что текст серый, а оценка будет довольно высокой. Тем более, что этот фильм сейчас довольно актуален, особенно на волне успехов различных групп смерти в различных сосальных сетях.

И всё же … всё же … всё же… Если бы не видел «Я зомби. Хроники боли» то поставил бы этому весеннему девчачьему японскому фильму больше, а текст был бы зелёный… бледно-зелёный… но…

20 марта 2017 | 17:27

Достаточно оригинально британский комик и актер Роуэн Аткинсон решил отметить 25-летие своего самого известного и всеми любимого персонажа — мистера Бина, из одноименного телесериала. В итоге, в марте 2015-го в свет выходит короткометражка — «Мистер Бин: Похороны». Мало того, что Аткинсон даже в столь почтенном возрасте (а на тот момент ему было 60 лет) все также отлично исполняет роль чудаковатого простофили, так еще и тема «похорон» выбрана очень кстати. Ведь ранее в сериале подобного не наблюдалось поэтому когда мистер Бин неуклюже роняет гроб или то и вовсе банально путает похороны, смотреть на все это куда более приятнее. На экране Роуэн выглядит почти также, как и тогда в далеких 90-х. То ли работа гримеров заслуживает отдельной похвалы, то ли сам актер благодаря смеху, не стареет. Ведь смех продлевает жизнь!

P.S. — Спустя примерно полгода, в этом же 2015-ом Аткинсон решает отметить «Биновский юбилей» еще раз. В образе мистера Бина и сидя верхом в кресле на легендарном автомобиле — Leyland Mini 1000, 1976-го года, актер проехался недалеко от Букингемского дворца. По остановке он поприветствовал своих поклонников и пообщался с прессой. Стоит заметить, что подобная сцена была в серии — «Сделай сам мистер Бин» в сериале «Мистер Бин», и Аткинсон спустя столько времени воссоздал её, тем самым отдав дань уважения своему персонажу.

9 из 10

19 марта 2017 | 00:29

Мальчик романтичен. Это присуще как раз юношеству и юношеской (детской) влюблённости. Впрочем, внезапная суровая развязка оставляет зрителя поражённым, заставляет ощутить: путь к чистой любви лежит через большие трудности. Через порочную Серафиму, через циничного товарища, через собственную мечтательность, которая, хоть и стремится к прекрасному, но зачастую делает беззащитным перед действительностью. Кстати, чёткого ответа на эти вызовы жизни так и не даётся. Неким слабым намёком может служить уход Паши в монастырь — вместе с холодным, как ведро воды, известием о её постриге, монашество может выступить неким образом спасения, способным совладать с тем, с чем другое совладать не может. С порочностью. Однако не даётся даже поставить вопрос о том, что же такое монашество и как оно в таком значении проявляется. Мультик порождает больше вопросов, чем ответов. Может, для юношества с его непокорностью и дерзостью это даже лучше, чем назидательные выводы. Хотя ответ можно дать одновременно убедительно и ненавязчиво. К сожалению, из сюжета многое дано намёками и образами, которые сильно впечатляют, но зачастую не дают ясного понятия о событиях. Я так и не понял, как заболел Тонечка, было ли последнее свидание с Серафимой явью и куда она потом пропала. Впрочем, это не важно для понимания основного смыслового посыла и не мешает восприятию. Уложить роман в 26 минут и сохранить при этом его задумку многого стоит!

Использование масляной краски открывает невероятные возможности для передачи поэтических чувств, что особенно важно в рассказе о любви и грёзах: получаются очень плавные переходы между видениями, один предмет перетекает в другой. Кроме того, масло в целом делает изображение слегка размазанным, заставляет, оставаясь завороженным игрой красок, одновременно додумывать какие-то мелочи, которые за мазками трудно различить. Это позволяет оторвать зрителя от действительности, полностью перенести в действие мультика. Александр Константинович использует также такие замечательные киноприёмы, как кадр с коровьим навозом перед кадром со свечками в церкви, как резкая смена скорости музыки на кадре с «женившимся» на Паше Степаном и другие. Вообще шумы и музыка записаны замечательно, их ужасно много, используются они точно и умело. Каждое действующее лицо имеет свой яркий самобытный нрав. Это, в том числе, определяют слова, кои подобраны достоверно и сильно — недаром же мультик снят по роману Шмелёва! Исполнители читки, в том числе и Тонечки, великолепно справляются со своими задачами — правильно расставляют ритм, выражение. Обилием последнего я поначалу был ошеломлён не менее сильно, чем музыкой и маслом: столько самых различных голосов сваливается в первые же минуты мультика, что забываешь о существовании работ, кои озвучивают как зачитывают. Степан окает, пастух распутен как бык, его сноха хихикает, Паша смеётся и напевает русские песни, тётка ругается, Серафима томно и величаво проговаривает, друг Тонечки тянет слова уныло и насмешливо, а сам наш герой крайне восторжен… Мало того: все эти (и ещё другие!) участники картины двигаются так разнообразно и естественно, что можно только позавидовать изобретательности постановщика! Взять хотя бы то, как вертится вокруг Тонечки Паша, когда он читает её записку про планету Венеру, как нечаянно их руки соединяются — это же надо сначала увидеть, придумать! А как впечатляющи образы грёз и видений! А какова стремительность развития происходящих действий! Краски, краски, краски! Чувствуется уменье и бережный подход. Русская авторская школа.

18 марта 2017 | 20:46

К моменту моего личного знакомство с кинематографической вселенной «Lego», касаемо «Звёздных войн», я уже был знаком с пародиями от «Гриффинов», от «Робоцыпа», от «театра пальцев», а также заценил «Космические яйца».

И «Lego Звездные войны: Падаванская угроза» искренне обрадовал меня. И именно тем поднял мне настроение. События здесь идут не канонические. Вовсе не так всё, как у Лукаса. Вроде и знакомо всё. Но идёт это самое «всё» стремительно быстро. Немножечко сумбурно. Но от этого разве грустнее? Так, например, мы видим привычного Энакина-падавана сражающегося с генералом Гривусом. А, немногим погодя, видим его на Татуине в гоночном поде.

Немало позабавил факт с ломанием «четвёртой стены», где лорд Дарт Вейдер так и норовил попасть в кадр, а Джордж Лукас его всячески одёргивал (смотрите фразу в названии моего текста).

В принципе, тут всё идёт как быстрое сведение эпопеи. Вот Корусант. А вот уже Татуин. Причём на Татуине одновременно соседствуют события из оригинальной трилогии и события из приквелов. И наблюдать за этим как минимум непривычно.

Вот и получается, что Дэвид Скотт, Майкл Прайс (но и Джордж Лукас!) придумали забавную интерпретацию «Звёздных войн».

Вам я советую обязательно ознакомиться с этим конструкторным мультфильмом! Ну а я — погнал за добавкой! «Империя наносит удар» (где-то я такое видел… хотя — не факт).

9 из 10

18 марта 2017 | 14:29

Именно «Бездна» открыла миру датский кинематограф, а также сделала Nordisk Film одной из самых успешных компаний, выпускающих свою продукцию в мировой прокат. Этот фильм произвел самую настоящую революцию в жанре и оказал колоссальное влияние на дальнейшее развитие кино.

Конечно, всё это вряд ли бы произошло без актёрской работы Асты Нильсон, для которой этот фильм стал дебютом на большом экране. Именно она привнесла в кино новую, более сдержанную игру. В начале двадцатого века, когда кино только-только получило право именовать себя искусством, было принято считать, что донести до зрителя ту или иную эмоцию возможно лишь благодаря экспрессивной актёрской игре. Аста отказалась от этого устаревшего правила и свела экспрессию к минимуму. Таким образом, ей удалось создать новый канон актёрской игры. Аста передавала зрителю эмоциональное состояние своей героини при помощи лёгких жестов и взгляда. Это сделало её игру более естественной, лишенной чрезмерной театральности.

Также нельзя забывать, что образ женщины-вамп появился в кино именно благодаря Нильсен. И, в довершение ко всему сказанному, она стала первой звездой не только датского, но и мирового кинематографа.

Но одной актёрской игры недостаточно для того, чтобы создать настоящий шедевр. Режиссура играет одну из важнейших ролей. У руля «Бездны» встал мало кому тогда известный Урбан Гад. Он и представить себе не мог, что всего за год сможет стать самым узнаваемым и кассовым кинорежиссёром Дании. Впоследствии он снимет ещё немало удачных кинокартин с участием Асты Нильсен — своей будущей жены.

В те годы наибольшей популярностью у зрителей пользовались комедии. Они нередко были достаточно низкого качества и не несли в себе какой-либо глубокой идеи. Сюжеты, как правило, были построены вокруг гэгов или же примитивных спецэффектов тех лет. Так что над ними никто особо не заморачивался: иной раз истории для будущих фильмов создавались за считанные минуты. Кинокомпаниям была важна лишь прибыль при минимальных затратах. Урабн Гад пошёл иным путем и снял свою первую кинокартину в жанре салонной драмы, в котором ближайшие шесть-семь лет и будут работать ведущие датские кинорежиссёры.

На первый взгляд может показаться, что в «Бездне» рассказывается типичная история любви. В наши дни, быть может, это выглядит именно так. Но в те годы данный сюжет стал глотком свежего воздуха для мира кино, испытывавшего кризис новых идей. Урбан Гад показал, что истории об отношениях между мужчиной и женщиной могут быть популярны не только в литературе, но и на экранах кинотеатров.

Но главным достижением режиссёра является даже не это. На дворе был 1910-й год. Боясь цензуры, многие кинематографисты старались не показывать на экране поцелуев в губы, так как тогда это считалось чем-то пошлым и неприемлемым. Урбан Гад смог не только разрушить данный стереотип, введя в моду страстные поцелуи, но и одним из первых снять крайне откровенную эротическую сцену. Речь, конечно же, идёт о знаменитом танце Асты Нильсен. Он полон страсти, которая, опять же, передается не при помощи обнаженки, которой нередко злоупотребляют современные режиссёры, а благодаря эмоциям и грациозным движениям героини.

Отдельного внимания достоин финал. Фильм не заканчивается хэппи-эндом, что в кинокартинах тех лет считалось само собой разумеющимся. Всё оборачивается для героев картины настоящей трагедией, безысходностью. Мы видим, как женщина опускается на самое дно и заканчивает в руках полицейского. Подобный подход вскоре будет с успехом перенят русскими кинематографистами, которые также создадут огромное количество салонных драм с крайне трагичными финалами. Голливуд, в свою очередь, к концу десятилетия вполне удачно воспользуется всеми находками датских кинематографистов, благодаря чему Америка сможет стать ведущей страной в киноиндустрии. Но, в отличие от датчан, американские режиссёры введут новый канон — неизменно счастливый финал.

18 марта 2017 | 09:31